그룹을 위한 보컬 연습 선택. Mbu에서 "어린이 음악 학교"로

어린이 합창단의 성악 연습.

작업 중 음색이 더욱 선명해지면 성부는 소프라노와 알토로 분류됩니다.

노래하는 숨.

많은 합창단 지도자들에 따르면 어린이들은 횡격막 호흡을 사용해야 합니다.

각 학생이 올바르게 호흡하는 방법을 얼마나 이해하고 있는지 확인하고 이를 스스로 보여주기 위해 통제하고 확인하는 것이 절대적으로 필요합니다. 어린 가수들은 어깨를 올리지 않은 채 코로 공기를 들이마셔야 하며, 팔을 완전히 내리고 자유롭게 입으로 공기를 들이마셔야 합니다.

매일의 훈련을 통해 아이의 신체는 적응합니다. 조용한 호흡 운동을 통해 이러한 기술을 강화할 수 있습니다.

작은 흡입 - 자발적인 호기.

작은 흡입 - 자음 "f" 또는 "v"에서 6부터 최대 12까지 천천히 숨을 내쉬십시오.

느린 속도로 노래하면서 숨을 내쉬십시오.

8을 셀 때까지 코로 짧게 숨을 들이쉬고 입으로 짧게 내쉬세요.

멈추지 않고 머리를 올리고 기울이거나 머리를 오른쪽과 왼쪽으로 돌리는 방식으로 비슷한 운동을 반복할 수 있습니다.

이러한 운동은 적절한 호흡 습관을 개발하고 발성 장치를 워밍업하는 데 매우 유용합니다.

연습하는 많은 성악 교사들은 소리 없는 호흡 운동에 주의를 기울인다. 학생은 근육 감각으로 전환하여 노래하는 소리의 형성에서 잠시 동안 주의를 산만하게 합니다. 결국 적당한 흡입과 느린 호기가 생성됩니다. 올바른 설치근육이 발달하고 신체적 탄력과 지구력이 발달합니다.

결과적으로 작품을 학습하면 숨을 쉴 때 근육이 올바른 위치를 차지하게 됩니다.

그리고 호흡 운동을 더 진지하게 수행할수록 이미 합창 작품에서 실제로 더 잘 사용될 것입니다.

노래의 초기 단계는 노래를 부르는 것입니다. 가장 밝은 소리로 시작해야 합니다. 기본 톤. 알토스의 경우 mib - fa1, 소프라노 g1 - a1입니다. 그러나 모든 어린이의 목소리 특성이 다르기 때문에 표준에서 벗어나는 경우가 있으며 이는 예외로 간주될 수 있습니다.

보컬 연습의 선택 원칙.

수업은 일반적으로 노래로 시작하는데 여기서는 두 가지 기능을 구분할 수 있습니다.

2) 성악 및 합창 능력을 개발하여 작품에서 고품질의 아름다운 소리를 구현합니다.

작업 준비 - 정서적 분위기를 조성하고 점진적인 부하(오디오 다이내믹 레인지, 음색 및 단일 사운드의 발성)로 작업에 보컬 장치를 도입합니다.

어린이에게 가장 흔한 노래 결함은 무엇입니까?

이것은 소리를 형성할 수 없는 것입니다. 아래턱(콧소리, 평모음) 발음이 좋지 않고 호흡이 짧고 시끄럽습니다.

합창단의 노래는 아이들을 조직하고 훈련하며 노래 기술(호흡, 소리 생성, 소리 조절, 모음의 정확한 발음) 형성을 촉진합니다.

처음에는 10~15분 정도 노래를 부르는데, 서서 노래하는 것이 더 좋다.

구호 연습은 잘 생각하고 체계적으로 실시해야 합니다. 노래를 부를 때(짧은 시간이라도) 합창단 지휘자는 소리 조절, 딕션, 호흡에 대한 다양한 연습을 해야 합니다. 그러나 이러한 연습은 매 수업마다 바뀌어서는 안 됩니다. 왜냐하면 아이들은 이 연습이 어떤 기술을 개발하려고 하는지 알게 될 것이고, 매 수업마다 성가의 질이 향상될 것이기 때문입니다. 노래는 기보법 연구 및 작업 중인 노래 자료와 밀접하게 연결되어야 합니다.

때때로 연습은 본질적으로 일시적일 수 있으며, 더 자주 학습되는 자료의 멜로디입니다(보통 취함). 어려운 곳).

중요한 포인트! 이러한 다양한 유형의 연습은 합창 활동 그 자체로 끝나서는 안 되며, 기술을 익히는 수단일 뿐입니다.

노래할 때 항상 범위의 극단적인 사운드에 도달해서는 안 됩니다(예를 들어 소프라노의 경우 사운드 랩까지 - 두 번째 옥타브의 sib).

A.V. Sveshnikov는 피아노의 지원 없이 아카펠라를 연주했고, 노래할 때 가장 어려운 모음이라고 생각했지만 한 소리에 모음 "a"를 사용하여 노래하기 시작했습니다. 결국 노래의 전통을 생각해보면 모음 'a'가 가장 소리가 나는 모음이다. 왜냐하면 아이들은 노래하는 본성상 자연스럽고 편안하게 노래를 부르기 때문이다. 그들의 노래 스타일은 시간이 지나면서 어른이 되어 변해가는 특성을 잃지 않았습니다.

아이들을 조율하고 집중시키려면, 아이들을 작동 상태로 만들기 위해 마치 "조율"처럼 노래를 시작하는 것이 좋습니다. 입을 다물고 제창하기 (부록 1)

이 운동은 충격 없이 부드럽게 노래되며, 균일한 연속(연쇄) 호흡과 꽉 닫히지 않은 부드러운 입술을 사용합니다. 소리의 시작과 끝은 구체적이어야 합니다. 앞으로이 연습은 음파를 약화시키고 증가시키면서 부를 수 있습니다 ().

이 연습은 ma와 da라는 음절로 부를 수 있습니다. 이 연습은 어린이들에게 모음 "A"를 부를 때 입의 올바른 모양을 유지하기 위해 소리를 둥글게 만들고 수집하는 방법을 가르칩니다. 이 조합은 매우 자연스럽고 재현하기 쉽기 때문에 음절 lu, le로 노래하는 것이 매우 편리합니다. 여기서 자음 "L"의 발음을 관찰해야하며 혀가 약하면 거기에 없습니다. 그리고 모음 "Yu, E"는 매우 가깝게 노래됩니다.

다음에 사운드를 다음 사운드로 전송하는 동안 큰 전압이 나타나면 이는 보컬 장치 작동에 조정이 부족함을 나타냅니다. 이런 경우에는 운동을 시작한 기본 존으로 돌아가서 힘을 빼고 노래 설정에 주의를 기울여야 합니다. 대략적인 구역 - 톤 언론의 자유.

이 연습은 중간 음파부터 시작하여 동적 범위를 개발하는 데 유용할 수 있습니다. mf에 대한 메모, mp에 대한 다음 메모 등이 번갈아 나타납니다. 이 노래의 원리는 소리의 모든 음높이 위치에서 유지되어야 합니다.

같은 소리의 공명 자음과의 연결.

합창으로 한 음표로 노래하는 과정이 진행되면서 음역도 점진적으로 확장됩니다(두 번째, 세 번째, 네 번째 등).

다음 구호는 움직임에 따라 점진적인 하향 또는 상향 움직임으로, 목소리의 소리는 가성 또는 가슴에 맞춰집니다. 이 성가의 범위는 반음계에 따라 최대 1(re) 1 – la 1(si) 1 옥타브입니다(부록 2).

"I"라는 글자로 노래하는 것이 유용합니다. 글자 자체가 매우 가벼워 올바르게 형성되면 둔한 소리를 피하고 콧소리를 자연스럽게 없애는 데 도움이 됩니다. 에너지를 개발합니다.

다음 연습은 다음 소리로 이동할 때 반복 음절이 있는 문구를 부르는 것입니다(부록 3). 레가토(부록 4)를 부르는 법을 배우는 것이 가장 어려운 일입니다.

칸틸레나는 노래의 기초입니다. 합창단 장의 주요 임무 중 하나는 합창단에게 레가토를 부르는 방법을 가르치는 것입니다. 레가토 스트로크 다음에는 레가토가 아닌 다른 마르카토 스트로크가 이어집니다. 더욱이, 레가토 노래를 배우는 것은 호흡 기술을 강화하고 광범위하고 연속적인 호흡을 개발하는 데 도움이 됩니다. 노래의 부드러움과 전환 속도 및 동시성을 모니터링할 필요성은 칸틸레나 노래에 필수적입니다(부록 5). 이 연습은 또한 두 번째부터 옥타브까지 음정의 순도를 높이는 데에도 사용됩니다.

다음 연습은 레가토, 논레가토, 마르카토가 충분히 마스터된 스타카토입니다.

스타카토는 근육에 대한 보다 기술적이고 심층적인 제어가 필요합니다.

좋은 호흡. 높은 보컬 위치에서 명확한 사운드 고정과 명확한 억양(부록 6). 레가토와 스타카토를 결합하는 연습은 필수입니다.

스타카토에서 레가토로 스트로크를 바꾸는 것이 좋습니다. 동시에 조밀하고 지원되는 소리로 부르는 모음 정렬에 대한 작업이 진행 중입니다(부록 7).

Sveshnikov에 따르면, 아이들은 상반기 말까지 (목을 누르지 않고 (낮은 소리)) 노래 트라이어드를 마스터하는 것이 바람직합니다. 이 연습은 범위를 개발합니다(부록 8). 5도 연습이 유용합니다(부록 9).

다이내믹 레인지를 개발하기 위한 찬트도 존재합니다. 작품의 소위 뉘앙스(크레센도, 디미누엔도)가 점진적으로 도입됩니다. 여기서는 성악 기관의 근음에 주의를 집중하여 포르테에서와 마찬가지로 피아노에서도 활성화되도록 해야 합니다.

뉘앙스를 작업할 때 p 또는 f로 급격하게 전환하는 것은 피해야 합니다. 이는 음파의 부드러운 변화여야 하며 연습 시 매우 어려운 것으로 간주됩니다. 먼저 그들은 하나의 소리를 연습합니다. 크레센도를 달성하려면 좋은 액티브 피아노를 관리해야 하며, 그 반대의 경우도 마찬가지입니다.

합창단 학교 학생인 V. Kiryushkin은 이렇게 회상했습니다. “Sveshnikov는 지금은 아무도 하지 않는 일을 했습니다. 그는 우리에게 완벽한 5도에서 노래하도록 강요했습니다. 순수 5도란 무엇인가요? 이것은 첫 번째 배음입니다. 이는 단련된 조정이 아니라 순수한 튜닝에 대한 조정입니다. 아이들이 노래 호흡의 지원을 받으면 희하 음절을 5도, 상하 반음 범위에서 단계별로 연습하는 것이 유용합니다.

격음 "X"는 제거됩니다. 근육 긴장후두에서 배출되며 올바르게 사용하면 소리의 공격을 완화합니다. 노래에 균일성을 부여하고 결합된 문자의 억양과 발성도 향상시킵니다.

그러나 호흡 지원이 올바르지 않으면 소리가 후두에 떨어져 과도하게 긴장될 수 있습니다.

수업 시작 후 약 1.5~2개월 후에 사운드 형성 연습을 사용할 수 있습니다. 이를 통해 아이들은 호흡을 통한 건전한 지원을 연습하고 지휘자의 손에 따라 노래하며 역동적인 유연성을 훈련할 수 있습니다(부록 10).

다음 연습은 문구를 늘리기 위해 고안되었습니다(호기 기간도 촉진함)(28). 이와 같은 운동은 음성 형성 기관을 활성화하고 음성 이동성을 발달시키는 역할을 합니다.

그러한 연습곡을 부를 때 아이들은 템포가 빠를수록 목소리가 가벼워진다는 것을 기억해야 합니다. 인대에 대한 "작업"이 적습니다. 각 음표를 "로드"하지 말고 터치하십시오. 목소리의 이동성은 인대의 활동이 적습니다.

음색에 대한 작업도 있으며 이 작업의 주요 목표는 레지스터 전환을 원활하게 하는 것입니다. 전체 범위에 걸쳐 균일한 음성 사운드. 이런 종류의 운동을 위해서는 먼저 소리의 상승 및 하강을 사용한 다음 채우기와 함께 점프를 사용하십시오. 도약의 확장은 작업이 얼마나 성공적으로 진행되고 아이들이 이 작업의 기본 원리를 얼마나 빨리 습득하는지에 따라 점차적으로 발생합니다.

결론적으로, 노래를 부르면서 발전한 기술은 나중에 반사적으로 변한다고 말하고 싶습니다. 실제로 한 번의 연습으로 기술 개발의 전체 복합체를 확인할 수 있습니다.

3. 보컬 및 합창 기술을 연습합니다.

딕션(그리스어) – “합창단에서 좋은 딕셔너리를 달성하기 위한 기준은 청중이 연주하는 작품의 내용을 완전히 동화시키는 것입니다.”라는 발음

좋은 사전의 형성은 모음과 자음의 발음에 대한 적절하게 구성된 작업을 기반으로 합니다. 딕션 작업 중 합창단, 합창단 장은 일반적으로 가수에게 자음을 가능한 한 명확하고 명확하게 발음하는 방법을 가르치려고 노력합니다. 이는 작품의 텍스트를 이해하는 데 도움이 되는 자음의 명확성이므로 전혀 나쁘지 않습니다. 모음의 형성과 발음도 필요합니다. 합창단에게 모음의 소리 감소 및 지속 시간, 모음 중화 기술을 가르쳐서 연설보다 감소 정도가 낮은 다른 음역에서 발음하는 것이 필요합니다. 단어 내에서 다음 모음으로 변위되는 자음의 빠른 발음. 좋은 노래 발음은 특별한 호흡 패턴으로 구별됩니다.

모음 작업하기.

모음 작업의 주요 포인트는 모음을 왜곡 없이 순수한 형태로 재현하는 것입니다. 음성에서는 자음이 의미론적 역할을 하기 때문에 모음의 부정확한 발음은 단어를 이해하는 데 거의 영향을 미치지 않습니다. 노래할 때 모음의 길이는 몇 배로 늘어나고, 약간의 부정확함도 눈에 띄고 발음의 명확성에 부정적인 영향을 미칩니다.

노래에서 모음 발음의 특이성은 균일하고 둥근 형태의 형성 방식에 있습니다. 이는 합창단 소리의 균일한 음색을 보장하고 합창 부분에서 조화를 이루는 데 필요합니다. 모음의 정렬은 모음의 조음 구조가 원활하게 재구성되는 조건으로 한 모음에서 다른 모음으로 올바른 음성 위치를 전송함으로써 달성됩니다.

A.V. Sveshnikov는 모음 정렬을 위한 계획을 세웠는데, 그가 말했듯이 그는 "소리에 필요한 것"(번개, 유성 또는 반올림)에 따라 적용했습니다. 이 정렬 체계에 따르면 노래의 각 부분이 모든 모음을 포함할 때 합창단에서 가장 잘 들리는 모음으로 시작할 수 있습니다.

모음의 반올림은 소리를 덮어서 수행되며 이 개념을 어둡게 하는 것과 혼동해서는 안 됩니다.

조음 장치의 작동 관점에서 모음 소리의 형성은 구강의 모양 및 부피와 관련이 있습니다. 합창단에서 높은 노래 위치에서 모음을 형성하는 것은 어느 정도 어려움을 겪습니다.

"U, Y"라는 소리가 형성되어 더 깊고 멀리 들리게 됩니다. 그러나 음소는 발음이 안정적이고 왜곡되지 않으며, 즉, 이러한 소리는 "A, E, I, O"보다 개별화하기가 더 어렵습니다. 유 다른 사람들, 거의 비슷하게 들립니다.

따라서 합창단의 "다양한" 사운드를 수정하기 위해 이러한 사운드를 특정 합창단에서 사용합니다. 그리고 이러한 모음에서는 통일성이 더 쉽게 이루어지며, 소리도 음색적으로 균형이 잘 잡혀 있습니다. 작품 작업을 할 때 "LYu", "DU", "DY" 음절로 멜로디를 부른 후 가사가 포함된 연주는 소리의 균일성을 더욱 높일 수 있지만, 합창단원들이 조음의 동일한 설정을 유지하는지 주의 깊게 모니터링한다면 다시 한 번 말씀드리겠습니다. 모음 "U and Y"를 부를 때와 같은 오르간.

"U" 높은 성문하 압력과 후두의 자연스러운 노래 위치가 필요합니다. 특히 합창단에서 노래 기술을 연구하는 초기 단계에서 모음 "U"를 사용하는 것은 노래 호흡을 개발하고 목구멍 노래를 제거하는 데 중요하며, 후두의 잘못된 위치에서 가수에게 발생하는 강제 소리입니다. 부드러운 어택으로 이 모음은 전환음의 음역을 부드럽게 하고 반올림하는 데 도움이 됩니다. Sveshnikov는 모음 "U"를 머리 모음으로 간주했으며, 그 노래는 높은 보컬 위치를 발전시킵니다. 그리고 "U"는 "어두운" 모음이므로 오랫동안 노래하면 "둔한 소리"가 됩니다. A.V. Sveshnikov는 운동 중에 그녀를 깨달았습니다 (U-A).

모음 "Y"는 "I"의 파생어이며, 음성에서 "Y"가 즉시 들리면 노래에서는 소리의 길이에 따라 고정됩니다.

순수 모음 소리 "O"는 소리 "U, Y"의 속성을 가지지만 그 정도는 더 적습니다.

모음 소리 "A"는 다양한 언어 그룹을 포함하여 사람들에 따라 다르게 발음되기 때문에 노래에 가장 큰 다양성을 제공하므로 곡을 연주할 때 이 점을 고려해야 합니다. 외국어. 예를 들어, 이탈리아인은 인두 깊이에서 "A"가 있고, 영국인은 인두 깊이가 있으며, 슬라브 민족에서는 모음 "A"가 납작한 가슴 소리를 냅니다. 초보 학생들의 수업에서 이 음소를 사용할 때는 매우 조심해야 합니다. Sveshnikov는 모음 "A"로 공부를 시작했으며 교사 보컬 I.P.에 동의합니다. Pryanikov: "대부분의 가수들에게 좋은 소리는 모음 "A"에서 가장 쉽게 형성됩니다. 왜냐하면 모음 "A"를 사용하면 입과 혀 부분이 자연스러운 위치에 있기 때문입니다."

"I, E" - 후두 기능을 자극하여 성대가 더 단단하고 깊게 닫히게 합니다. 이들의 형성은 높은 호흡 유형 및 후두 위치와 관련되어 있으며 소리를 밝게 하고 보컬 위치를 더 가깝게 만듭니다. 그러나 이러한 소리는 소리를 둥글게 만드는 데 특별한 주의가 필요합니다.

모음 "I"는 "Yu"에 가깝게 들려야 합니다. 그렇지 않으면 불쾌하고 날카로운 성격을 갖게 됩니다. 그리고 소리가 "좁게"되지 않도록 모음 "A"(I-A)와 연결해야합니다.

모음 "E"는 관절 구조 a에서 나온 것처럼 형성되어야 합니다.

모음 "E, Yu, Ya, Yo"는 슬라이딩 조음 덕분에 순수 모음보다 노래하기가 더 쉽습니다.

따라서 합창단에서 모음을 연습하는 것은 완전한 노래 소리와 결합하여 명확한 발음을 얻는 것입니다.

자음 작업 중입니다.

자음은 그 형성에 음성이 참여하는 정도에 따라 유성음, 유성음, 무성음으로 구분됩니다.

발성기관의 기능에 따라 공명음은 모음 다음의 2위에 위치한다: “M, L, N, R.” 그들은 스트레칭을 할 수 있고 종종 모음과 동등하게 서기 때문에 이 이름을 얻었습니다. 이 사운드는 높은 노래 위치와 다양한 음색 색상을 구현합니다.

또한, 성대와 구강 소음의 참여로 유성 자음 "B, G, V, Zh, Z, D"가 형성됩니다. 유성 자음은 공명음과 마찬가지로 높은 노래 위치와 다양한 음색 색상을 구현합니다. 음절 "Zi"는 소리의 친밀감, 가벼움 및 투명성을 달성합니다.

무성음 “P, K, F, S, T”는 음성의 참여 없이 소음만으로 구성됩니다. 이것은 소리가 나는 소리가 아니라 안내하는 소리입니다. 폭발적인 성격을 가지고 있으나 무성자음에는 후두가 기능하지 않으며, 앞에 무성자음이 있는 모음을 발성할 때 강제소리를 피하기 쉽다. 초기 단계에서 이는 리듬 패턴의 명확성을 개발하고 모음이 더 큰 소리("Ku")를 얻을 때 조건을 만드는 역할을 합니다. 자음 "P"는 모음 "A"를 잘 반올림한다고 믿어집니다.

쉿하는 소리인 "X, C, Ch, Sh, Shch"는 소음으로만 구성됩니다. 모음과 결합된 무성 "X"는 보컬 연습 장에 표시됩니다.

무성 "F"는 조용한 호흡 훈련에 사용하는 것이 좋습니다.

노래의 기본 규칙은 자음의 빠르고 명확한 형성과 모음의 최대 길이입니다. 즉, 조음 장치 근육, 뺨 및 음순 근육, 혀 끝의 활동적인 작업입니다. 딕셔너리의 명확성을 달성하기 위해 특별한 관심혀 끝을 발달시키는 데 노력해야 하며, 그 후에는 혀가 완전히 유연해집니다. 아래턱의 탄력성과 이동성과 후두의 설골에 대한 작업이 필요합니다.

다양한 텅 트위스터를 사용하여 입술과 혀 끝을 훈련할 수 있습니다. 예: "먼지가 발굽 소리로 들판을 가로질러 날아갑니다." 등 굳은 입술로 모든 것을 발음하고, 혀를 적극적으로 움직이십시오. 점차적으로 더 복잡한 작업으로 홍보하세요. 처음에는 천천히 그리고 명확하게, 그 다음에는 템포, 뉘앙스 등을 추가합니다.

단어 끝 부분의 무성 자음 발음에 문제가 자주 발생하므로 지휘자와 합창단 모두의주의가 필요합니다. Stulov의 Shebalin “Winter Road”(예).

공명음과 결합된 모음은 더 쉽게 둥글게 되고 후두의 작용을 부드럽게 하며 위치적으로 소리를 더 가깝게 만듭니다. 무성 자음에서는 후두 기능이 꺼집니다. 후두 근육이 빡빡한 경우 "po", "ku", "ta" 등의 음절 조합을 사용하십시오.

콧소리일 때는 모음 "A, E"를 사용하고 순음과 조합하여 사용합니다.

열린 "하얀 소리", "U, O" 모음을 부를 때 제거되고 울려퍼지는 "M, L"과 결합됨

목 소리 - 무성 자음과 함께 모음 "O, U"를 사용합니다.

외울 때 다음 음절에 자음 어미가 추가되어 모음을 외우는 것과 같습니다. 두 번째 모음이 서로 옆에 있으면 노래할 때 합쳐질 수 없습니다. 두 번째 모음은 새로운 어택으로 불러야 합니다.

노래에서 자음은 모음보다 짧게 발음됩니다. 특히 쉭쉭 소리와 휘파람 소리를 내는 “S, Sh”는 귀에 잘 들리기 때문에 줄여야 하며, 그렇지 않으면 노래할 때 시끄럽고 휘파람 부는 느낌이 생기게 됩니다.

자음을 연결하고 분리하는 규칙이 있습니다. 한 단어가 끝나고 다른 단어가 동일하거나 거의 동일한 자음(d-t; b-p; v-f)으로 시작하면 느린 속도로 강조해야 하며 빠른 속도, 그러한 소리가 짧은 시간 동안 발생하는 경우 뚜렷한 방식으로 결합해야 합니다.

자음 발음의 특징.

단어 끝의 유성 자음(단일 및 쌍)은 해당하는 무성 자음으로 발음됩니다. 무성 자음 앞에는 유성 자음이 귀머거리입니다. 자작나무가 쓰러졌네요...

치자음 "D, Z, S, T"는 연자음(12, ka(z)ny, pe(s)nya 등)보다 먼저 부드러워집니다.

부드러운 자음 앞의 소리 "N"은 부드럽게 발음됩니다(str(n)nik).

부드러운 자음이 확고하게 발음되기 전의 "Zh, Sh"소리는 이전, 봄입니다.

단어 끝의 반사 조사 "sya" 및 "sya"는 "sa" 및 "s"와 같이 단단하게 발음됩니다.

"chn" "cht" "kak" "shn" "sht"의 조합: skuk(sh) 그러나 말(sh) 그러나.

"stn" "zdn" 자음 등의 조합에서 발음되지 않음: gru(sn)o, po(zn)o.

단어 중간과 전치사가 있는 단어의 교차점에 있는 "ssh" "zsh" 조합은 딱딱한 긴 "sh"로 발음됩니다. be(shsh) smart, 그리고 2 단어의 교차점에 - 쓰여진 대로 : 속삭임으로 발음됩니다.

“sch”와 “zch”의 조합은 긴 “sch”에 비유됩니다: (schsch)astye, izvo(schsch)ik.

공명음 "r"은 모든 청각 장애인처럼 과장되어 발음됩니다.

합창단에서 명확한 딕션을 위한 조건은 완벽한 리듬 앙상블입니다. 자음을 발음하려면 발음 활동이 증가해야 합니다.

리드미컬한 명확성을 위해 노력하고 있습니다.

Krasnoshchekov는 다음과 같이 말했습니다. "함께 노래하는 능력, 동시에 단어를 리드미컬하게 명확하게 발음하는 능력, 템포를 유연하게 변경하고 함께 숨을 쉬는 능력, 노래를 시작하고 중지하는 능력, 작품의 미터법 구조를 명확하게 식별하는 능력은 합창의 가장 중요한 특성입니다. 가수는 연주의 리듬이 순서에 있기 때문에, 순서가 없으면 창의적인 문제는 해결될 수 없습니다.”

리드미컬한 감각의 발전은 합창단 작업의 첫 순간부터 시작됩니다. 기간은 적극적으로 계산되어야 합니다.

계산 방법:

코러스 리듬 패턴으로 크게 들어보세요.

리듬을 탭(박수)하면서 동시에 노래의 리듬을 셉니다.

이 설정이 끝나면 솔파주를 한 다음 가사와 함께 노래를 부릅니다.

앙상블의 리듬적 특징도 발생한다. 일반적인 요구 사항항상 적절한 속도로 숨을 쉬십시오. 템포를 변경하거나 일시 정지하는 동안 지속 시간이 늘어나거나 줄어들지 않도록 하십시오. 가수들의 동시 입장, 숨 쉬기, 공격 및 사운드 방출이 특별한 역할을합니다.

N.N. 다닐린: “합창단의 일관성은 잠시 멈춘 후의 도입부에서 드러납니다. 합창단의 완성 여부에 관계없이 파티 입장으로 심사 위원을 이해하는 모든 사람.”

전문적으로 훈련된 어린이 합창단에서는 표현력과 리듬의 정확성을 얻기 위해 리듬 조각화 연습을 사용하며, 이는 이후 내부 맥동으로 바뀌고 음색이 풍부해집니다. 제 생각에는 분쇄 방법이 가장 효과적이며 오랫동안 알려져 왔습니다.

수세기에 걸친 전통, 깊은 영적 내용, 연주자와 청취자 모두의 감정적, 도덕적 구조에 막대한 영향을 미치는 합창은 음악뿐만 아니라 미적 교육의 검증된 수단으로 남아 있습니다.

다운로드:

시사:

방법론적 개발

“성악과 합창 연습을 하고 있어요.

주니어 어린이 합창단에서"

의해서 준비되었다:

합창 교사

MBU DO "Afiscipskaya 어린이 미술 학교"

틀렙수크 파티마 자우르카노브나

2015년

I. 소개

II. 음악적 소재를 활용한 보컬 스킬 형성

수업 과정.

2.성악 및 합창 능력 개발을 위한 전제 조건에 대해

3.기본적인 보컬 스킬

4. 성악 및 합창 연습 시스템의 조건

IV. 결론

V. 참고문헌

I.소개

합창음악은 가장 민주적인 형태의 예술에 속합니다. 광범위한 청취자에게 미치는 큰 영향력은 사회 생활에서 중요한 역할을 결정했습니다. 합창음악의 교육적, 조직적 가능성은 엄청납니다. 인류 역사상 합창음악이 이념적, 정치적 투쟁의 수단이 된 시기가 있었습니다.

합창단은 필요한 보컬-기술적, 예술적 표현 수단을 보유하고 연주되는 작품의 내용을 상당히 깊이있게 전달하는 연주 그룹입니다. 합창단은 다양한 목소리의 다성 및 화성 작품을 연주할 수 있으며, 이를 통해 작품에 대한 전체적인 지식의 수단 역할을 하는 화성 청력을 완전히 개발할 수 있습니다. 뮤지컬 클래식그리고 에세이 현대적인 스타일뮤지컬 글쓰기.

노래하는 목소리는 병적인 경우를 제외한 거의 모든 사람이 훈련할 수 있는 자연스러운 악기입니다. 노래를 모든 유형의 음악 연주의 기본이자 음악성의 첫 번째 표현 중 하나로 간주할 이유가 있습니다. 악기 연주를 배울 때 진지한 음악 교육의 시작으로 노래에 대해 자주 이야기하는 것은 이유가 없습니다. 유명한 피아니스트이자 교사인 K.N. Igumnov는 합창을 "음악의 중요한 기초"라고 불렀습니다. 현대 방법론자 V. L. Michelis는 연주 방법을 배우는 초기 단계에

앙상블 노래를 사용하는 피아노는 이것이 미래의 성공적인 작업의 열쇠라고 생각하기 때문입니다.

노래 활동 과정에서 음악적 능력의 전체 복합체, 음악에 대한 정서적 반응이 성공적으로 형성되고 어린이의 경험이 풍부해집니다. 현대 과학노래 활동에 참여하는 아이들은 더 반응적이고 감정적이며 수용적이고 사교적이라는 것이 입증되었습니다. 목소리의 숙달은 아이에게 노래를 부르면서 자신의 감정을 즉시 표현할 수 있는 기회를 제공하며, 이러한 감정적 폭발은 아이에게 부담을 줍니다. 생명 에너지. 그러나 노래가 가장 중요한 것 중 하나라는 사실에도 불구하고 사용 가능한 유형음악 활동, 음성 제작 과정은 매우 복잡하며 특정 시스템이 필요합니다. 노래 레슨은 보컬 기술이 형성되는 여러 부분으로 구성됩니다. 중요한 부분은 성악 연습입니다. 성악은 노래에 사용되며 기본 성악 기술(호흡, 조음, 소리 생성)을 연습합니다.

합창단에서 노래하는 것은 순전히 실용적인 목적을 가지고 있습니다. 어느 누구도 모든 사람에게 신체 운동의 이점을 부정하지 않을 것이며 노래하는 그룹에게는 보컬 운동이 덜 필요하지 않습니다.

방법론 개발의 목적– 성악 및 합창 연습 시스템을 통해 어린이의 성악 능력 개발 분야에서 기존의 방법론적 권장 사항과 실제 경험을 연구하고 일반화합니다.

방법론 개발의 목표:

어린이 합창단의 성악 연습을 배웁니다.

초등학생의 발성 기술 형성 특징을 분석합니다. 보컬 연습 선택의 원칙을 결정하고 보컬 기술 형성에서 보컬 연습의 역할을 식별합니다.

방법론 개발의 실질적인 중요성야심 찬 합창단 장을 찾을 수 있다는 것입니다 유용한 정보그리고 실용적인 권장 사항귀하의 전문적인 활동에 이를 사용합니다.

경험은 재능의 정도에 관계없이 어떤 식으로든 자연스러운 "놀이 단계"에서 아이를 분리하지 않고, 눈에 띄지 않게 아이를 소리의 세계로 소개하고, 노래에 대한 사랑을 일깨우지 않고도 모든 아이에게 적절한 접근 방식을 찾을 수 있다는 것을 확신시켜 줍니다. .

G.G. 노이하우스는 재능은 창조될 수 없지만 재능이 발현되고 성장할 수 있는 환경은 조성될 수 있다고 말했습니다. 이 말씀은 제가 여러 해 동안 가르치는 활동을 하는 데 지침이 되었습니다. 아이들과 함께 수업을 진행하는 교사는 교실에서 편안하고 즐거운 분위기를 조성하고 아이들의 장난스러운 상태를 유지하며 상상력을 일깨워야합니다. 아이들과 함께하는 수업에는 이 연령대의 생리학에 대한 지식과 재미있는 교육 기술의 개발이 필요합니다.

어린이 목소리의 연령 특성.

아이들의 목소리는 대략 여성합창단의 목소리와 일치한다. 차이점은 범위의 너비에 있습니다(다소 더 작음). 그리고 소리의 성격도 다릅니다. 아이들의 목소리는 여성의 목소리보다 더 "가벼움", "은색"입니다.

C I부터 G II 옥타브까지 어린이 합창단의 소프라노.

어린이 합창단 알토 A 단조부터 D 2옥타브까지.

소아는 특정한 성대를 갖고 있으며 때로는 성대가 짧고 가늘고 폐활량이 적습니다. 높은 헤드 사운드, 특징적인 가벼움, "은색" 음색(특히 소년의 경우)이 특징이지만 음색이 풍부하지는 않습니다.

1) 어린이, 가장 어린 나이부터 10~11세까지. 팔세토 사운드 제작. 최대 범위는 최대 1옥타브 - 최대 2옥타브 또는 D I - D 2옥타브입니다. 초등학생(1~4학년) 아이들입니다. 작은 소리 강도 p - mf. 그리고 남자아이와 여자아이 사이에는 별다른 발전이 없습니다.

합창 교육의 초기 단계에서는 억양, 보컬 기술, 앙상블 연주 등 전문적인 노래 기술이 마련됩니다.

2) 11~12세부터 13~14세까지. 중학생 나이. 이미 가슴 소리가 나는 경향이 있습니다. 범위가 다소 확장됩니다(1번째 옥타브 - E, F 2번째 옥타브까지). 5~7등급은 약간의 소리포화도가 있습니다. 여아에서는 여성적인 음색의 발달이 관찰됩니다. 남자아이들은 짙은 색의 가슴 톤이 발달합니다.

소프라노 C, D 1옥타브 - F, G 2옥타브

Altos A 작은 옥타브 - D, mib II 옥타브

이 나이에는 가능성이 더 넓어집니다. 레퍼토리에는 조화로운 작품과 단순한 다성 작품이 포함될 수 있습니다. 또한 2x - 3x g, 점수.

3) 14~16세. 대부분은 형성된 목소리입니다. 이러한 목소리는 어린이 소리의 요소와 성인(여성) 목소리의 요소를 혼합합니다. 개인의 음색이 드러납니다. 범위는 1.5~2옥타브로 확장됩니다. 혼합 사운드, 등급 8 - 11. 남아의 경우 흉음의 요소가 더 눈에 띄고 더 일찍 드러납니다.

소녀들의 목소리가 발달하기 시작했습니다. 소년들은 돌연변이에 취약하며 이 나이에 합창단에서 노래하는 경우는 거의 없습니다.

어린이 합창단의 각 파트의 전체 범위는 다음과 같이 확장될 수 있습니다.

소프라노에서 A, B II 옥타브까지.

알토스에서 G 마이너 옥타브까지

합창을 가르칠 때 중학생 목소리의 발성 장치와 특성에도 고유한 특성이 있으므로 교사가 작업에서 고려해야 하는 점도 고려됩니다. 아이들의 목소리는 대략 여성합창단의 목소리와 일치한다. 차이점은 음역의 폭(약간 작음)에 있으며, 사운드의 성격도 다릅니다. 아이들의 목소리는 여성의 목소리보다 더 "가벼움", "은색"입니다. 1옥타브 'C'부터 2옥타브 'G'까지 어린이 합창단의 소프라노. 어린이 합창단의 알토는 "A"단조부터 두 번째 옥타브의 "D"까지입니다.

아이들은 특정한 발성 기관(성대가 짧고 가늘고 폐활량이 적음)을 가지고 있습니다. 높은 헤드 사운드, 특징적인 가벼움, "은색" 음색(특히 소년의 경우)이 특징이지만 음색이 풍부하지는 않습니다. 일반적으로 합창단의 어린이 목소리는 연령에 따라 어린 그룹, 중학생, 노인의 세 그룹으로 나눌 수 있습니다. 어린 어린이 그룹 - 가장 어린 나이부터 10~11세까지. 팔세토 사운드 제작. 최대 범위는 최대 1옥타브 - 최대 2옥타브 또는 D I - D 2옥타브입니다. 초등학생(1~4학년) 아이들입니다. 낮은 음력. 그리고 남자아이와 여자아이 사이에는 별다른 발전이 없습니다. 그러한 합창단의 레퍼토리에는 본질적으로 1-2개의 작품이 있습니다. 합창 교육의 초기 단계에서는 억양, 보컬 기술, 앙상블 연주 등 전문적인 노래 기술이 마련됩니다.

어린이 합창단의 성악 활동은 성인 합창단의 활동에 비해 고유한 특성을 가지고 있습니다. 이러한 특이성은 무엇보다도 어린이의 신체가 성인의 신체와 달리 지속적으로 발달하여 변화한다는 사실에 기인합니다. 수년간의 연습을 통해 어린 시절 노래하는 것은 해로울뿐만 아니라 유익하다는 것이 입증되었습니다. 우리는 특정 원칙을 준수하면 가능한 음성적으로 올바른 노래에 대해 이야기하고 있습니다. 노래는 성대, 호흡기 및 조음 기관의 발달을 촉진합니다. 올바른 노래는 어린이의 건강을 향상시킵니다.

나에게는 다음 중 하나 가장 중요한 작업– 아이에게 노래에 대한 관심을 불러일으키고 동시에 일에 대한 사랑을 심어줍니다. 나는 때때로 아이들이 쉽고 접근할 수 있지만 관심이 없는 자료보다 감정적으로 감동을 받은 경우 더 어려운 자료를 통해 훨씬 더 성공적으로 전진한다는 것을 확신하게 되었습니다. 활동에 대한 관심을 유지함으로써 나는 그들의 동정심을 끌고 동시에 게임의 동반자로 남아 그들을 연구하고 가장 자주 수업의 방법과 세부 사항을 제안합니다. 아이는 자연스럽게 신뢰하고 수용합니다. 그는 모든 것을 믿고 스펀지처럼 모든 것을 흡수합니다. 그러므로 아이의 인성교육을 시작함에 있어서 책임감 있고 진지하게 받아들이는 것이 중요합니다.

어린이에게 음악은 즐거운 경험의 세계입니다. 아이들은 노래하는 것을 좋아하기 때문에 노래를 부를 때 적극적으로 자신의 감정을 표현하고 음악을 더 깊이 인식하게 됩니다. 노래하는 과정에서 아이들은 음악적 능력, 즉 음악에 대한 귀, 기억력, 리듬감 등을 발달시킵니다. 수년간의 경험에 따르면 노래는 어린이의 언어 발달, 읽기, 계산, 산수, 쓰기 및 그래픽 기술 수준이 향상되는 데 기여하는 것으로 나타났습니다. 음악 수업 중에 뇌 기능이 활성화되고 어린이의 정서적 기분도 향상되기 때문입니다. 그리고 조화감을 찾는 데 도움이 되도록 고안된 것이 바로 음악입니다.

II. 음악 연습자료를 활용한 보컬 스킬 형성

1.발성 스킬의 개념과 발성 연습

보컬 및 합창 기술을 개발하려면 합창단의 지속적인 관심이 필요하며 이는 관심과 노력을 의미합니다. 노래는 다른 예술과 마찬가지로 배워야 하며, 인내심을 가지고 꾸준히 배워야 합니다. 어린이 합창단의 성악 활동은 성인 합창단의 활동에 비해 고유한 특성을 가지고 있습니다. 이러한 특이성은 무엇보다도 어린이의 신체가 성인의 신체와 달리 지속적으로 발달하여 변화한다는 사실에 기인합니다. 수년간의 연습을 통해 어린 시절 노래하는 것은 해로울뿐만 아니라 유익하다는 것이 입증되었습니다. 우리는 특정 원칙을 준수하면 가능한 음성적으로 올바른 노래에 대해 이야기하고 있습니다. 노래는 성대, 호흡기 및 조음 기관의 발달을 촉진합니다. 올바른 노래는 어린이의 건강을 향상시킵니다. 그리고 합창단의 중학생의 발전이 올바르게 진행되기 위해서는 기본적인 보컬 및 합창 능력을 개발하는 것이 필요합니다. 첫 합창단 수업부터 합창단 활동 규칙에 관해 어린이들과 대화를 나눠야 합니다. 각 레슨에서 리더는 노래하는 자세, 호흡, 소리 제작에 주의를 기울여야 합니다. 건전한 과학, 아티큘레이션(딕션), 지휘자의 몸짓, 앙상블, 구조.

노래 설치

아이들이 앉아서 노래하든, 서서 노래하든 몸과 머리의 자세는 곧고 자연스러우며 자유로워야 합니다. 앉아서 노래할 때는 발 전체가 바닥에 있고, 손은 무릎 위에 있습니다. 매 레슨마다 올바른 노래 자세를 갖춰야 합니다.

호흡

성악과 합창 예술에서는 적절한 노래 호흡 기술을 익히는 것이 가장 중요합니다. 소리의 아름다움과 순수함, 노래의 표현력은 올바른 호흡에 달려 있습니다. 노래하는 호흡의 기본원칙은 날숨의 숙달, 즉 숨을 참으면서 노래하는 능력(보조)이며, 호흡의 소비도 정확한 들숨에 달려 있어 빠르고 조용해야 한다. 흡입할 때 어깨를 올리지 말고 공기를 많이 들이마시세요. 호흡의 성격은 배우는 곡에 따라 다릅니다. 경쾌하고 행진하며 영웅적인 노래에는 짧은 호흡이 필요합니다. 느리거나 부드럽거나 끌어당기는 노래에는 차분한 호흡이 필요하지만, 두 경우 모두 호흡이 활발해야 합니다. 조용히 노래할 때는 특히 호흡 활동을 모니터링해야 합니다. 적절한 시기에 호흡하는 것은 예술적이고 표현적인 퍼포먼스에 도움이 된다는 점을 기억해야 한다.

소리 형성, 소리 과학 및 표현

표현적인 노래는 소리 제작과 소리 과학에 대한 가장 진지한 관심 없이는 상상할 수 없습니다. 지도자는 아이들이 자유롭고, 자연스럽고, 가볍고, 낭랑하게 노래하도록 해야 합니다. 이는 조음 장치의 활동적인 작업에 의해 촉진됩니다. (입의 올바른 개방, 입술과 혀의 명확한 작동); 소리를 동시에 반올림하여 모음을 명확하게 형성합니다. 강한 어택이 있는 노래와 부드러운 어택이 있는 노래 모두에 활성 사운드 생성이 있어야 합니다. 사운드 엔지니어링은 작업의 성격에 따라 달라집니다. 일부 작품에서는 사운드가 선율적이고 유려해야 하며(레가토), 다른 작품에서는 다소 강조되어야 합니다(레가토가 아님).

좋은 딕션은 표현력 있는 노래에 크게 기여합니다. 중요한 점사전은 모음과 자음의 비율입니다. 모음은 선율적이고 넓게 들려야합니다. 자음 - 명확하고, 짧고, 정력적으로.

음절이나 단어를 끝내는 자음은 다음 음절이나 단어로 옮겨져야 한다는 점을 기억해야 합니다. 한 단어의 끝 부분과 다른 단어의 시작 부분에 나타나는 동일한 모음은 별도로 노래됩니다. 단어 끝의 자음은 별도로 노래됩니다. 문구의 강세 단어와 단어의 강세 음절은 강세가 없는 단어보다 다소 크게 노래됩니다.

강세가 없는 엔딩을 부를 때는 특히 주의해야 합니다. 노래에 나오는 단어는 철자가 아닌 일반적으로 통용되는 문학적 발음에 따라 번역되어야 합니다.

편성 및 앙상블

깨끗하고 조화로운 노래 없이는 표현력 있는 연주를 논할 수 없습니다. 그러므로 의식적인 억양과 구조의 문제가 리더의 관심의 초점이 되어야 합니다. 아이들의 음악적 귀를 지속적으로 향상시키고, 노래에 대한 통제력, 자신의 노래뿐만 아니라 다른 부분도 듣고 적응하고 전체 합창단의 소리와 병합하는 능력을 개발해야 합니다. 리더는 가수들이 일정한 템포를 유지할 수 있는지 확인하고, 필요하다면 동시에 속도를 높이거나 낮춰야 합니다. 명확한 리듬 패턴은 작품의 성격을 전달하는 데 도움이 됩니다. 학생들의 리듬감을 키우는 데 큰 관심을 기울여야 합니다.

지휘자는 합창단 전체의 각 부분에 대해 균일한 사운드를 구현해야 합니다. 좋은 앙상블은 전체 합창단이 구현하는 단어의 균일하고 동시 발음, 표현으로 촉진됩니다.

각 합창 그룹은 처음에는 두 성부의 자유 노래를 마스터하고 그 다음에는 다성부 작품을 마스터해야 합니다. 2성부 노래 작업은 합창단이 2성부 작품 연주를 준비할 노래 연습과 대포부터 시작해야 합니다. 이러한 유형의 2성부를 마스터한 후에는 3성 비율의 노래, 각 성부의 자유로운 움직임, 그리고 마지막으로 3성 요소를 갖춘 노래로 넘어가야 합니다.

반주 없이 노래하기

가장 어렵지만 가장 흥미로운 합창 유형은 무반주 노래입니다. 그러한 연주는 합창단이 일정한 기술과 능력을 축적한 후에만 가능합니다. 합창단 참가자들이 적절한 호흡, 소리 생성, 의식적인 억양 등을 숙달한 후에만 시작해야 합니다. 첫 번째 단계에서는 노래와 악기 반주로 작곡된 노래의 특정 부분을 반주 없이 노래하는 것이 유용합니다. 왜냐하면 반주 없이 노래할 때 억양, 소리 제어 등의 모든 단점이 특히 명확하게 나타나기 때문입니다. 반주 없이 자유롭게 노래 부르기 가능 최고 수준모든 그룹이 노력해야 할 합창 공연.

지휘자의 몸짓

진행 중 큰 중요성명확하고 정확하며 명확해야 하는 지휘자의 몸짓이 있습니다. 지휘자의 주요 네 가지 지시 사항인 "주의", "호흡", "시작" 및 "종료"부터 시작하여 첫 수업부터 아이들의 몸짓에 대한 주의가 배양됩니다.

몸짓에 대한 관심을 키우면 지휘자가 작품에 대해 의도한 아이디어를 정확하게 표현할 수 있습니다. 또한, 지휘자의 명확한 제스처는 합창단이 연주 중 조율을 평준화하고, 좋은 역동성과 조화로운 앙상블을 달성하고, 곡과 해당 부분의 노래를 동시에 시작하고 끝내는 능력을 갖추는 데 도움이 됩니다.

합창은 노래 기술의 특정 자동화가 필요한 복잡한 예술입니다. 가수의 기교가 완벽할수록 작곡가의 예술적 의도에 더욱 집중할 수 있다. 따라서 노래 기술의 발전은 성악 교육학의 시급한 문제 중 하나입니다. 보컬 및 합창 기술의 발달은 음악적 청력의 발달과 밀접한 관련이 있습니다. 왜냐하면 청각 제어를 통해 재생된 사운드와 예비 표현인 "내부 청력"의 일치성을 확립할 수 있기 때문입니다.

음악 교육은 일반 어린이와 영재 어린이 모두에게 제공됩니다. 그러므로 음악학교나 미술학교에 입학할 때 우리는 다양한 레벨노래 수업을 위한 아이들의 준비 상태.

어떤 사람은 청력이 뛰어나고 훌륭하게 억양을 낼 수 있는 반면, 어떤 사람은 정기적인 연습을 통해 청각과 음성의 조화를 빠르게 발전시키지만, 교사의 세심하고 인내심이 필요한 어려운 경우도 있습니다.

노래할 수 없는 이유는 여러 가지 때문일 수 있습니다. 첫 번째는 멜로디를 명확하고 정확하게 표현하지 못하는 것입니다. 두 번째는 음성으로 재현 할 수 없다는 것입니다 (아이는 실수를 듣지만 올바르게 듣지만 잘못 노래합니다). 세 번째는 자신의 노래를 평가할 수 없다는 것입니다 (아이는 자신의 실수를 알아 차리지 못합니다). 네 번째는 "대화하는 목소리"의 방식을 노래로 옮기는 것입니다. 아주 낮은 목소리로 노래하는 아이들이 있어요. 정확한 음조를 느껴야 합니다. 이러한 경우 고음역 - 첫 번째 옥타브의 B - 두 번째 옥타브의 노래 소리를 사용할 수 있습니다. 교사는 설명 덕분에 비유적인 표현을 만들어 아이들을 도와야 합니다.

(“새처럼, 모기처럼 높이 노래해야 한다” 등)

연습에 대문자 소리를 사용하면 비교적 짧은 시간 동안 정기적으로 연습하면 훌륭한 결과를 얻을 수 있습니다.

청력 발달에 대한 작업을 올바르게 지시하기 위해서는 교사가 노래를 할 수 없는 이유를 정확하게 파악하는 것이 매우 중요합니다. 그리고 이 매우 중요한 작업에는 각 합창단원의 세심한 주의가 필요합니다. 개인의 특성, 때로는 별도의 작업을 수행합니다.

동시에, 청력이 발달하지 않은 어린이들이 점차적으로 올바르게 노래하는 법을 배우게 될 것임을 이해하도록 하는 것이 중요합니다. 그들은 성공할 때마다 자극을 받고 보상을 받아야 합니다.

청각 지각 및 음성-청각 연결 개발을 목표로 하는 청각 발달 기술:

들은 내용에 대한 후속 분석을 목적으로 청각 집중 및 리더의 프레젠테이션 듣기

최고의 디자인을 선택하기 위해 다양한 디자인 옵션을 비교합니다.

유지 이론적 개념노래하는 소리의 품질에 대해;

그림, 도표, 손 기호, 기보법을 사용하여 멜로디의 방향을 반영합니다.

노래하기 전에 키를 설정합니다.

조화를 이루기 위해 지휘자의 손으로 개별 음향에 대한 합창단의 음향을 지연시키는 것.

큰 소리로 재생되기 전의 첫 번째 소리에 대한 정신적 표현

좋은 음악적 능력을 가진 많은 어린이들은 다음과 같은 다른 노래 결함도 가지고 있습니다.

고정된 아래턱;

비음;

편모음;

불쌍한 딕셔너리;

짧고 시끄러운 호흡

그리고 이러한 단점은 연습을 통해 제거되며 앞으로 레퍼토리 작업 시 시간이 크게 절약됩니다.

2. 성악 및 합창 능력 개발을 위한 전제 조건

성악 기술 및 교육 수단 문제를 개발할 때 우리는 다음 조항에 의존합니다. 성악의 기술과 구체적인 표현 수단을 습득하지 않으면 예술적으로 작품을 연주하고 의도, 내용 및 예술적 이미지를 전달할 수 없습니다. 노래. 작품의 내용에 대한 관심이 부족하면 노래를 배우는 과정이 훈련으로 변합니다. 음악과 그 내용은 학생 발달의 각 단계에서 보컬 테크닉 연주의 형성을 결정해야 합니다.

음악의 특정 콘텐츠를 전송하려면 특정 예술적, 기술적 표현 수단과 이에 상응하는 연주 기술이 필요한 것으로 알려져 있습니다.

노래 예술을 위해서는 모든 가수나 합창단원이 무엇보다도 노래 호흡, 소리 제작 및 발성 기술을 숙달해야 합니다. 합창단 학생들의 보컬 교육의 기초이자 기초를 형성하는 것은 이러한 기술입니다. 합창단에서 노래하는 법을 배우기 위한 이러한 특정 조건인 구조와 앙상블은 주로 노래하는 호흡, 소리 생성 및 딕셔너리 기술을 숙달하는 데 기반을 둔 파생적인 것으로 간주됩니다. 실제로 학생들이 호흡과 노래 소리를 조절하지 못하고, 입을 올바르게 벌리는 방법을 모르거나, 딕션이 좋지 않은 경우 앙상블에서 조화로운 노래를 상상하기 어렵습니다. 합창단에서 성악 교육 업무를 수행하려면 노래와 관련된 모든 활동을 수행할 때 완전한 통일성과 동시성이 필요합니다. 그렇지 않으면 합창단은 없고 노래하는 사람들의 특정 집단만 있을 뿐입니다.

가수가 기교를 시기적절하게 마스터할수록 연주에 더 많은 창의성을 불어넣을 수 있고 작곡가의 예술적 의도에 더 집중할 수 있습니다. 따라서 노래 기술의 발전은 성악 교육학의 시급한 문제 중 하나입니다.

필요하고 전제 조건기술을 개발하는 것은 연습입니다. 어떤 행동을 수행하는 방식을 개선하기 위해 합리적이고 의도적으로 행동을 반복하는 것입니다. 운동은 동작을 기계적으로 반복하는 것이 아니라 동작을 수행하는 방법을 개선하고, 강화하고, 명확하게 하는 반복입니다.

연습하는 동안 강력한 보컬 및 합창 기술이 개발됩니다. 연주 기술의 선택, 즉 재생된 사운드와 사전 내부 청취의 최대 일치를 보장하는 표현 수단입니다.

노래하는 기술은 예술적, 기술적 요소의 복잡한 복합체에 대한 숙달을 요구합니다. 이 콤플렉스의 숙달은 합창단 훈련의 각 개별 단계, 각 특정 보컬 기술 작업에 학생의 주의를 집중함으로써 달성됩니다. 동시에, 연습의 음악 자료의 의도적이고 점차 증가하는 복잡성은 주로 하나의 특정 기술을 습득하는 데 유리한 조건을 만듭니다.

이러한 목적은 학생들의 노래 발달 수준에 따라 선택되고 학습 과정에서 점차 더 복잡해지는 특별 연습과 성가를 통해 이루어집니다. 예를 들어, 칸틸레나 연습을 제공할 때 우리는 리듬, 멜로디 패턴, 템포, 테시투라 등 음악 표현의 다른 요소를 의도적으로 단순화합니다. 즉, 우리는 단순한 리듬, 부드러운 멜로디 패턴, 적당한 템포와 중간 정도의 테시투라를 지닌 작은 노래를 선택합니다. 따라서 우리는 소리의 길이를 동화하는데 가장 유리한 조건을 만듭니다. 2성 또는 3성 합주 합창단에서 작업할 때 텍스트 없이(입을 다물거나 음절에 대해) 연습을 제공하므로 학생들은 가능한 한 소리의 균형과 순수성에 주의를 집중할 수 있습니다. 합창 부분.

3. 기본적인 보컬 스킬

주요 보컬 스킬은 가창 호흡, 가창음 제작, 가창 딕션이다. 예술적 집단 노래 예술인 합창 예술의 기반은 노래 예술의 이러한 요소입니다.

숨을 노래하다

수업 중에 아이들은 조용한 짧은 호흡, 호흡 지원 및 점진적인 지출과 같은 호흡 기술을 습득해야합니다. 그리고 시간이 지남에 따라 훈련의 후반 단계에서 연쇄 호흡 기술을 익히십시오. 호흡은 점진적으로 발달하므로 훈련 초기 단계에서는 짧은 말로마지막 긴 메모나 문구를 일시 정지로 구분합니다. 다음으로, 긴 소리의 프레이즈가 있는 노래가 소개됩니다. 러시아 민요는 호흡 발달 작업에 가장 적합합니다.

노래하는 소리 형성

노래하는 소리 형성에 있어서 중요한 문제는 소리의 공격, 즉 소리가 발생하는 초기 순간입니다. 어린이 합창에서는 부드러운 공격과 강한 공격이 모두 사용됩니다. 노래하는 소리의 기본은 소리의 부드러운 공격입니다. 그러나 적극적이고 에너지 넘치는 사운드 전달을 사용하는 것이 좋습니다. 동시에 울리고 활동적인 노래가 강제 소리로 바뀌어서는 안됩니다. 비례감을 유지하고 민감한 청각 조절 능력을 갖는 것이 매우 중요합니다.

노래 딕션

조음은 가장 중요한 부분 성악 및 합창 활동. 호흡, 소리 생성, 억양 등과 밀접한 관련이 있습니다. 텍스트는 좋은 표현을 통해서만 청취자에게 전달됩니다. 그리고 연주의 질은 노래할 때 입을 여는 능력, 입술과 혀의 올바른 위치, 아래턱의 긴장과 긴장의 완화에 의해 영향을 받습니다. 노래할 때 다음과 같은 발음 특징이 중요합니다. 모음의 선율; 그것들을 마무리하는 능력; 빠르고 명확한 자음 발음; 강세가 없는 모음의 소리의 순수성에 대한 욕구.

4. 성악 및 합창 연습 시스템의 조건

1. 성악 및 합창 연습 시스템의 첫 번째 조건은 연습 중에 설정된 교육 과제에 대한 학생들의 의식적인 태도를 키우는 것입니다. 합창을 배우기 시작할 때 학생들은 추가 작업 과정보다 교사의 설명과 시각적 시연이 더 필요합니다. 점차적으로 의식적인 설명과 합리적인 반복의 결과로 습득한 기술을 보컬 연주 과정에서 독립적으로 적용하기 시작합니다. 합창단장의 어떤 지휘자의 몸짓, 적절한 표정, 심지어 눈빛만으로도 충분하며 그의 요구에 합창단 전체가 조화롭고 명확하게 반응합니다.

2. 운동 시스템의 두 번째 조건은 훈련 작업의 점진적이고 일관된 복잡성입니다.

연습 과정에서 단순한 것에서 더 복잡한 것, 이해할 수 있는 것, 접근 가능한 것에서 더 어려운 것으로 이동하는 것이 필요합니다. Ushinsky는 이것이 성공의 기초라고 말했습니다. 그에 따르면 모든 새로운 운동은 이전 운동과 연결되고 이에 의존하고 한 걸음 더 나아 가야합니다. 이 상태가 없다는 것은 때때로 길고 수많은 운동이 좋지 않은 결과를 가져오는 주된 이유입니다.

발성 연습 시스템은 학생이 점차 증가하는 어려움을 극복해야 하는 교육 자료의 배열을 가정합니다.

3. 운동체계의 세 번째 조건은 기술 형성 과정 자체의 특성을 고려하는 것이다. 이 과정은 규칙의 인식과 동화에서 이를 적용하는 능력, 이 기술의 통합, 점진적인 기술 습득으로 이어집니다.

교사가 합창단 수업 과정에서 학생들의 관심을 활용하는 방법을 모르면 주의력이 약해지고 지루함이 생기고 정신이 멍해지는 현상이 나타나는 경우가 많습니다.

4. 시스템의 네 번째 조건은 운동 중에 학생들의 자발적인 관심을 키우는 것입니다. 자발적인 관심 교육에서 중요한 역할은 교육 과정에서 비자발적 관심을 사용하는 것입니다.

5. 시스템의 다섯 번째 조건은 다양한 작업으로, 연습 중에 학생들의 주의를 한 작업에서 다른 작업으로 전환하여 일련의 작업을 포괄합니다.

다음 예는 그림으로 주어질 수 있습니다. 레가토 노래는 성악의 기초로 간주되는 것으로 알려져 있습니다.

선율적이고 긴 소리의 기술을 개발하는 것은 보컬 교육학의 주요 작업 중 하나입니다. 그러나 이 작업이 가벼움의 발달, 음성의 이동성, 논레가토 및 스타카토 노래 기술을 고려하지 않으면 궁극적으로 필요한 유연성이없는 무겁고 거대한 사운드가 형성됩니다. 그리고 표현력.

6. 성악 합창 연습 시스템의 여섯 번째 조건은 규칙적이고 일관된 작업의 필요성입니다. 수업의 불규칙성과 수업 간의 큰 시간 격차로 인해 기술 손실이 발생합니다. 노래 기술을 무작위로 또는 드물게 연습한다고 해서 많은 지속적이고 일관된 작업이 필요한 복잡한 노래 기술을 숙달할 수는 없습니다.

III. 합창단의 노래와 성악 연습 선택의 원리

성악과 합창 연습은 크게 두 가지 범주로 나눌 수 있습니다.

첫 번째에는 특정 작업과 관련 없이 사용되는 특수 연습이 포함됩니다. 그들은 단순한 것부터 복잡한 것까지 원칙에 따라 보컬 및 합창 표현력의 일관된 숙달에 기여합니다.

이러한 연습 시스템은 의식적으로 특정 작업에 주의를 집중하는 데 도움이 됩니다.

두 번째 카테고리의 연습은 작품을 학습할 때 특정한 어려움을 극복하는 것을 목표로 합니다. 이러한 연습은 더 좁은 목적에 사용되며 더 명확하고 일관성 있게 체계화될 수 없습니다.

모든 보컬 기술은 서로 밀접하게 연결되어 있으므로 이에 대한 작업은 동시에 수행됩니다. 당연히 각 발성 연습의 목표는 특정 기술을 개발하는 것이지만, 이를 수행할 때 다른 기술을 무시하는 것은 불가능합니다. 이것은 작은 가수의 주요 어려움입니다. 지속 가능한 결과를 얻으려면 수업에서 습득 한 모든 지식, 기술 및 능력을 절대적으로 사용해야한다는 것을 배우는 것입니다.

초기 단계에서는 특정 기술의 미묘함을 달성하지 않고 이러한 기술을 기본 형태로 육성하는 것이 필요합니다. 앞으로는 노래 기술의 지속적인 강화, 개발 및 개선, 문화와 소리의 정확성, 음색의 아름다움, 보다 복잡한 음악 자료에 대한 미묘하고 다양한 뉘앙스에 대한 심층적인 작업이 있을 것입니다.

서두르지 않고 점진적으로 작업해야 합니다. 어떠한 경우에도 강제적인 소리가 허용되어서는 안 됩니다. 적당한 소리(크지도 조용하지도 않은)로 노래해야 합니다. 노래할 때 음질과 자유도에 가장 큰 관심을 기울여야 합니다.

사운드 강도의 균일성에 대해 작업하는 것은 매우 중요합니다(하나, 다른 사운드, 전체 프레이즈). 이 작업은 더욱 제한된 범위에서 수행하는 것이 좋습니다. 음질 측면에서 모든 소리를 균등화하는 것이 필요합니다.

체계적인 보컬 트레이닝 기법특별한 훈련을 통해 응용 프로그램의 "자동화"라는 귀중한 기술이 탄생합니다. 이 원리는 가장 간단한 작업을 반복적으로 수행하는 것으로 구성되며, 그 동안 자체 조절 시스템인 발성 장치가 자동으로 최적을 찾는 동시에 해당 근육 시스템을 훈련합니다. 차별화된 연령대의 능숙한 활용, 편리한 테시투라에서의 레퍼토리 선택, 억지적인 소리를 배제한 자연스러운 소리를 제공, 조화로운 발전개별 음색을 식별하는 음성 형성 기관.

이러한 연습을 반복하는 과정에서 과제 수행 방법이 개선되고, 통합되고, 명확해진다. 연습은 학생들의 노래 발달 수준에 따라 선택되며 학습 과정에서 점점 더 복잡해집니다.

작업 초기 단계에서는 신체, 머리, 팔의 정확하고 자연스러운 위치와 같은 기본적인 기본 기술을 개발하기 위한 작업이 수행됩니다. 심호흡을 하고 점차적으로 경제적으로 숨을 내쉬십시오. 입이 자유롭게 열림; 노래의 동시 시작과 끝, 소리의 길이.

추가 작업 과정에서 습득한 기술이 심화되고 향상됩니다. 즉, 하부 늑골-횡격막 호흡의 발달; 범위 확장; 음색의 아름다움; 유연성, 음성 이동성; 미묘하고 다양한 뉘앙스.

노래에는 두 가지 기능이 있습니다.

2. 보컬 및 기술 능력을 개발하여 작품에서 고품질의 아름다운 사운드를 구현합니다. 노래할 때 가장 흔한 단점은 소리를 낼 수 없음, 꽉 조이는 아래턱(콧소리, 평모음), 잘못된 발성, 짧고 시끄러운 호흡), 크게 뜬 눈입니다.

운동은 음조 청력, 모달 음조 청력, 강장제에 대한 매력, 리듬감, 말투, 발음 및 표정, 음색 청력 및 호흡의 발달에 기여합니다. 학생들과 함께하는 수업의 초기 단계에서는 신체, 머리 및 팔의 올바른 위치 유지, 점진적인 경제적 호기, 자유로운 입 개방, 동시 흡입, 노래의 시작, 소리의 길이. 세 가지 구성 요소, 즉 반복, 특정 구성, 음성 형성 품질 향상에 대한 집중이 모두 필수입니다. 운동은 멜로디와 리듬 패턴이 단순해야 하며 기억하기 쉬워야 합니다.

보컬 운동은 인대를 따뜻하게 하고 노래를 부르기 위한 보컬 및 조음 장치를 준비하는 데 도움이 됩니다.

관절 체조.

1.혀끝을 깨물어 보세요.

2.혀를 물면서 앞으로 내밀었다가 뒤로 움직여 표면 전체를 물립니다.

3. 왼쪽, 오른쪽 치아로 번갈아 가며 혀를 씹습니다.

4. 이를 닦듯이 입술과 치아 사이에 혀를 대십시오.

5. 윗입술과 아랫입술, 오른쪽 볼과 왼쪽 볼을 번갈아가며 혀로 찔러보세요.

6. 혀를 클릭하여 클릭 음높이가 변경되도록 입의 볼륨을 변경합니다(예: 게임 작업: 여러 말의 발굽을 다르게 클릭합니다. 큰 말은 천천히 낮게 클릭하고, 작은 말은 빠르고 높게 클릭합니다).

7. 아랫입술 전체를 깨물어준다. 물기도 한다 윗입술.

8.옆니로 볼 안쪽을 깨물어주세요.

9. 아랫입술을 내밀어 기분 나쁜 표정을 짓는다.

10. 윗입술을 올려 윗니를 드러내며 웃는 표정을 짓습니다.

11. 앞의 두 동작을 빠른 속도로 번갈아 수행합니다.

12. 넣어 집게손가락양손으로 눈 밑 근육을 잡고 얼굴 체조를 하며 들어올리기 안면 근육덤벨처럼. 이 동작을 오른쪽과 왼쪽으로 번갈아 반복합니다.

13. 검지를 콧등에 대고 강하게 주름을 잡은 후 손가락으로 근육의 움직임을 느껴보세요.

관절을 발달시키기 위해 다음과 같은 연습이 제안됩니다.

1. 혀를 활성화하려면 혀를 좌우, 앞, 뒤, 오른쪽, 왼쪽으로 움직여 "톱니바퀴", "튜브" 양방향으로 원형으로 회전합니다. 혀 끝을 내밀고 빠르게 입 구석에서 구석으로 움직입니다.

2. 혀끝을 느껴보세요. 망치처럼 활동적이고 단단합니다. (상상력이 도움이 될 것입니다.) 혀 끝으로 안쪽에서 이를 칩니다(조용히 예-예-예-예라고 말하는 것처럼). 지금 이 순간에는 '높은 입천장'과 볼륨감 있는 입을 상상하는 것이 좋다. 힘차게 말하세요: T-D, T-D, T-D;

3. 혀와 후두를 자유롭게 하려면 다음 작업을 수행해야 합니다. 코를 통해 빠르고 짧고 깊게 숨을 들이마신 다음 입으로 완전히 숨을 내쉬십시오. 소리 "FU"(볼이 "떨어짐");

4. 후두 근육을 강화하려면 K-G, K-G, K-G를 강하게 발음하십시오.

6. 아래턱을 자유롭게 하려면 입을 벌리고 턱을 옆으로 움직여서 이 움직임의 자유로움을 느껴보세요. 약간 피곤함을 느낄 때까지 거울 앞에서 운동하십시오. 아래턱은 자유로워야 하지만 약간 열려서는 안 됩니다. 무겁고 늘어진 아래턱이 후두에 닿아 소리가 형태가 없고 조음이 확대됩니다.

텅 트위스터를 읽는 것도 딕셔너리 개발을 목표로합니다. 천천히 읽어야 하며, 성공적으로 향상되면 점차 속도를 높여야 합니다. 템포를 잊지 않고 발음의 리듬을 모니터링하는 것이 중요합니다.

a) 마당에 풀이 있고, 풀 위에 장작이 있습니다. 나무를 자르지 마세요. 잔디 위에 장작이 있습니다.

b) 당신, 크리켓, 크리켓, 크리켓, 우리에게 크리켓, 크리켓을 가르쳐주세요.

호흡과 소리를 조직화하는 연습:

1. 몸의 긴장을 완전히 풀어줍니다. 몸을 사용하여 자유롭게 매달린 팔을 휘두릅니다(실에 매달린 것처럼). 근육의 긴장에서 머리를 풀어주세요. 아래턱을 자유롭게 내리고 혀를 완전히 이완시킨 후 혀 끝을 아래 치아 근처에 놓습니다. 완전히 숨을 내쉰 후 코를 통해 심호흡을 하십시오(갈비뼈가 확장되고 위가 약간 수축됩니다). 잠시 동안 흡입 자세를 유지하십시오(마치 다시 숨을 쉬고 싶은 것처럼). 그런 다음 입에서 공기를 모두 빼십시오.

2. 위의 방법으로 숨을 들이쉬고, 촛불을 끄지 않고 살짝 불듯이 숨을 내쉰다. 숨을 들이쉬고, 참고, 내쉬면서 “불의 불꽃을 부채질”하십시오. 깃털을 부는 것처럼 숨을 쉬고 내쉬십시오.

모든 운동은 설명된 대로 정확하게 수행되어야 하며 머리, 몸통, 팔에 근육 긴장이 없는지 확인해야 합니다.

3. 손바닥을 갈비뼈(옆구리, 손가락이 가슴 중앙을 향하게) 위에 놓고(배럴까지) 깊게 숨을 들이마십니다. 어깨를 올리지 마십시오. 가슴(폐)으로 들어가는 공기의 압력에 따라 갈비뼈가 갈라지는 방식을 손으로 느낄 수 있습니다. 이는 상당한 양의 공기를 흡입했음을 의미합니다. 숨을 쉬고 내쉬십시오. 손으로 갈비뼈가 어떻게 떨어졌는지 느껴야 합니다.

4. 먼저, 위쪽 앞니의 뿌리 주위로 혀를 움직여 보세요. 경구개는 치아에서 뒤쪽으로 확장됩니다. 이 부분을 느껴보세요: 앞니의 뿌리, 경구개. 이제 숨을들이 쉬면서 (손으로 갈비뼈를 조절) 들어오는 공기의 양을 느끼고, 숨을 내쉴 때 앞니 뿌리 부분을 느끼면서 명확하고 큰 목소리로 계산합니다. 혀로 만진 것입니다. 우리는 호기의 흐름을 이 구역으로 향하게 하고 우리의 말이 거기에서 들리며 여러분의 상상력이 도움이 될 것입니다. 단단한 하늘이 우산이나 낙하산의 지붕처럼 돔 모양으로 매우 "높다"고 상상해 보세요. 조절된 호기(및 흡입)에 대한 이러한 연설을 전달이라고 합니다. 공기가 소비됨에 따라 갈비뼈가 급격하게 낮아지지 않고 부드럽게 낮아지는 방식을 관찰하세요. 이것은 폐에서 공기를 부드럽게 빠져나가 소리와 단어를 발음하는 데 소비됩니다.

노래 연습

주니어 합창단에서 좋은 모음 소리를 내기 위한 주된 조건은 범위의 모든 소리에서 높은 소리 위치를 유지하려는 끊임없는 열망이어야 합니다.

아이들은 다양한 모음의 올바른 형성을 점차적으로 가르쳐야 합니다. 모음으로 시작하는 것이 가장 좋습니다.~에 , 이를 통해 아이들은 음성 전달에서 노래 형태의 소리 전달로 더 쉽고 빠르게 이동할 수 있습니다. 이 모음을 발음할 때 구강인두가 넓게 열리고 "하품시"(입천장의 커튼이 올라감) 노래가 연주됩니다. 게다가,~에 올라간 연구개(연구개)가 비강 입구를 차단하기 때문에 비강 배음에서 목소리가 해방됩니다. Sveshnikov는 모음 "U"를 머리 모음으로 간주했으며, 그 노래는 높은 보컬 위치를 발전시킵니다.

운동 1번

운동 2번

연습의 목적은 모음 소리를 빠르고 눈에 띄지 않게 흡입하고 발성하는 방법을 가르치는 것입니다. y .

그리고 세 번째 동기는 모음음의 둔하고 어두운 소리를 피하기 위해 입을 다물고 부르는 것이다. 입을 다물고 노래를 부르면 치아가 벌어지고 입 안에 작은 사과가 들어가는 느낌이 있는데, 이는 연구개를 높이는 데 필요하다.

입술이 지나치게 앞으로 나오지 않도록 하고, 모음의 조음이 잘 이루어지도록 하는 것이 필요하다.~에 자연스러웠다.

운동 3번

모음으로 만들려면~에 더 큰 소리로 자음을 추가할 수 있습니다.에게 .

아이들이 입을 다물고 첫 소절을 부를 수 없다면, 처음과 같은 방식으로 부른 다음 원래 형태로 따라해 보세요.

모음 o는 보컬 교육에서도 매우 중요합니다. 이 소리에는 특별한 반올림이 필요하지 않고 인두가 잘 열려 있기 때문입니다. 모음 o와 ё에 대한 연습은 둥글고 가벼운 머리 소리를 만드는 데 도움이 됩니다.

연습 4번

운동 번호 5

모음은 "위치가 가장 높고" 가깝고 소리가 가볍기 때문에 둔하고 둔한 소리와 같은 단점을 제거하는 데 유용합니다. 반올림, 즉 yu 또는 y에 대한 근사가 필요합니다. 그리고 소리가 압축된 경우에는 사용에 매우 주의해야 하며, 우선 이러한 단점을 제거하는 데 주의를 기울여야 합니다.

연습 #6

성악 교육학에서는 모음 ta가 가장 많이 사용됩니다. 필요한 것 같군요 적은 노력교육을 위해 발성 장치를 해방시켜 압박감과 긴장감을 해소하는 데 도움이 됩니다. 이 소리를 부르면 아래턱이 내려가고 구강이 넓어지며 인두가 좁아집니다. 그러나 이것은 또한 가장 다양한 모음으로 둥근 소리가 필요하며 o에 접근하면 달성됩니다.

개별 모음을 부르는 것은 연습에서 점차적으로 모음을 번갈아 가며 움직여야합니다.

연습 번호 7

연습 #8

주니어 어린이 합창단과 함께 작업할 때 어린이에 대한 관심을 불러일으키고 국가 멜로디에 대한 사랑을 심어주는 데 도움이 되는 러시아 민요인 popevki를 사용할 수 있습니다. 게다가, 그들은 대개 그들의 말에 간결하다.

음악적 사고는 아이들이 복잡한 억양에 집중하지 않도록 돕는 단계별 구조를 갖고 있는 경우가 많습니다.

연습 #9

장2도의 넓은 억양과 강장제의 확고하고 자신감 있는 노래를 익히는 데 도움이 되는 연습입니다. 크고 중간의 종소리와 아주 작은 종소리의 소리에 평행선을 그릴 수 있습니다.

운동 번호 10

"Skok, Skok"이라는 노래는 장음 테트라코드의 발음 기술과 노래 기술을 개발하는 데 매우 유용합니다.

모음이 잘 들리는 주요 조건은 높은 소리를 유지하려는 끊임없는 욕구이기 때문에 떨어지는 움직임이 있는 노래는 매우 유용합니다. 음계를 위에서 아래로 부를 때, 특히 다음 반음으로 이동할 때 위쪽 소리의 형성을 모니터링하고 억양적으로 약간 조이는 것이 필요합니다. 그렇지 않으면 노래할 때 후속 소리가 높은 노래 위치를 잃을 수 있습니다.

연주를 자극하면서 사운드 형성을 적극적으로 촉진합니다. 호흡 장치명확한 발음은 주니어 합창단에서 호흡을 활성화하는 기술 중 하나입니다.

혀를 활성화하기 위해 특별한 운동이 사용됩니다.

연습 번호 11

단단하고 폭발적이며 울리는 자음이 우세한 텍스트에서 노래는 조음 기관의 작업을 활성화하고 명확하고 명확한 어법의 발전에 기여합니다. 일반적으로 이러한 노래는 상당히 빠른 속도로 연주됩니다. 동시에 어린이들이 자음을 명확하고 적극적으로 발음하도록 해야 합니다.

혀 트위스터는 지적이고 조음적인 게임입니다(음성 장치 개발). 각 텅 트위스터에는 고유한 소리와 단어 플레이가 있습니다. 사람들이 "모든 혀 조율사는 협상하거나 다시 말할 수 없습니다."라고 말하는 데는 이유가 있습니다. 텅 트위스터의 놀라운 특징은 복잡한 리듬 구성입니다. 텅 트위스터의 모든 소리, 소리 조합 및 단어는 리듬을 만들고 이에 따릅니다. 리듬은 동일한 화음을 반복함으로써 만들어집니다. 텅 트위스터에는 운율을 형성하는 내부 자음이 끝납니다. 우리 앞에는 특정한 방식으로 들리는 문구뿐만 아니라 의미와 관련하여 생생한 소리로 가득 찬 그림도 있습니다. 텅 트위스터의 리듬은 강세 음절과 강세가 없는 음절의 명확한 교대로 생성되며, 명확한 발음은 소리 형성에 적극적으로 기여하는 동시에 호흡 기관의 기능을 자극합니다. 주니어 합창단에서 명확한 발음은 호흡을 활성화하는 몇 안 되는 기술 중 하나입니다. 여기서는 혀를 활성화하기 위해 특별한 운동이 사용됩니다. 크레센도와 디미누엔도, mp, pp 등 다양한 프레이즈를 활용하여 다양한 텅트위스터를 부르는데 유용합니다.

안에 딕션 작업을 할 때 크레센도와 디미누엔도를 포함한 다양한 프레이즈를 활용하여 텅 트위스터를 부르는 것이 유용하며, mp, pp, "Lambs", "Andrey the Sparrow", "Bull - blunt-lipped", "Brooms" 등 하나 또는 두 가지 소리로 구성된 민속 농담을 부릅니다.

연습 번호 12

이 연습을 통해 딕셔너리 능력을 키울 수 있을 뿐만 아니라, 특별한 노력입천장을 들어 올리고 탑노트를 높은 위치에 놓습니다.

연습 번호 13

음절을 연주할 때쿰마 입을 다물고 노래할 때와 같은 느낌이 있어야 하며, 입천장을 높이면 높은 위치와 경쾌한 소리를 찾는 데 도움이 됩니다. 보컬 라인을 방해하지 않고 모든 것이 탄력적으로 발음되어야 합니다. A. Sveshnikov는 평활 레지스터 작업을 할 때 "kuma" 또는 "winter" 음절로 연습을 사용했습니다.

칸틸레나는 노래의 기초입니다. 주요 임무 중 하나는 합창단에게 레가토를 부르도록 가르치는 것입니다. 레가토 스트로크 다음에는 레가토가 아닌 다른 마르카토 스트로크가 이어집니다. 소리 연구의 성격을 바꾸는 것이 좋습니다.

연습 #14

연습 번호 15

정확한 발성을 바탕으로 발전된 억양적으로 순수한 단일성은 아름다운 다성 노래의 기초입니다. 경험에 따르면 두 번째 성부가 선율적 독립성을 가질 때 아이들은 이러한 형태의 두 성부를 더 쉽게 익힐 수 있습니다. 두 번째 성부의 평행 이동은 아이들에게 훨씬 더 어렵습니다.

어린이에게 친숙하고 구조가 간단한 곡이나 두 목소리의 러시아 민요를 먼저 사용하는 것이 좋습니다.

연습 번호 16

연습 번호 17

IV.결론

합창을 부르려면 모든 범위의 예술적, 기술적 기술을 숙달해야 합니다. 올바른 연습 선택은 각 노래 기술을 개별적으로 개발하는 데 도움이 될 뿐만 아니라 일련의 기술을 전체적으로 통합하는 데 도움이 됩니다. 연습은 개별 기술 작업에만 국한될 수 없습니다. 왜냐하면 연습 사이에 필요한 연결과 조정이 부족하기 때문입니다.

우리가 이미 알아낸 바와 같이, 기술은 장기적이고 정기적인 교육을 통해 상당한 수준의 자동화가 이루어진 기술입니다. 그러한 훈련은 근본적으로 교육과 기술 강화에 대한 의식적인 태도에 기초해야 하며, 이 과정에서 불필요하고 불필요한 동작은 버리고 꼭 필요하고 적절한 동작만 선택하고 육성해야 합니다. 장기적이고 체계적인 개선을 통해 가장 완벽한 형태의 기술이 자동화됩니다. 그러한 수준을 달성하는 것은 상대적인 수준이라 할지라도 매우 중요합니다. 이는 가수를 제약과 혼돈에서 점차적으로 해방시켜 보다 창의적인 성격의 작업을 수행할 수 있게 해줍니다.

보컬과 합창 실력은 작품의 이미지와 내용을 전달하는 수단이다. 학생들이 이러한 기술을 더 잘 습득할수록 공연의 표현력도 더욱 높아질 수 있습니다.

노래 실력을 키우기 위한 필수 조건은 운동, 즉 이러한 실력을 향상시키기 위한 목표한 반복이다. 이러한 반복 과정에서 과제 수행 방식이 개선되고, 통합되고, 명확해진다. 보컬 및 합창 기술을 개발하는 전체 과정은 각 특정 사례에 가장 적합한 연주 기술을 섬세하게 선택하는 것을 의미합니다.

동시에, 연습의 목표가 있고 점차적으로 더 복잡한 음악 자료는 특정 기술을 통합하는 데 도움이 될 것입니다.

특별 연습과 성가는 학생들의 노래 발달 수준에 따라 선택되며 학습 과정에서 점차적으로 복잡해집니다.

운동은 매우 다를 수 있으며 다양한 목표를 추구합니다. 음성 개발, 범위 확장, 호흡 강화, 위치 높게 조정, 칸틸레나 개발, 음성의 균일성, 이동성, 유연성, 억양의 순수성, 조화로운 청력 개발, 어법의 명확성 , 통일된 사운드 제작 방식 등 .p.는 한마디로 가수가 표현 연주의 기술적 기술을 습득하는 데 도움이 되어야 합니다. 본질적으로 복잡한 운동, 즉 동시에 다양한 기술을 개발하는 운동이 있습니다.

동시에, 강화하지 않고는 모든 것을 한꺼번에 가르칠 수는 없습니다. 개별 요소음성 형성. 따라서 점차적으로 더욱 복잡한 음악 연습 자료를 특별히 선택해야 하며, 이는 각 훈련 단계에서 하나의 특정 기술을 습득하는 데 유리한 조건을 만듭니다. 따라서 칸틸레나 연습을 제공할 때 리듬, 멜로디 패턴, 템포, 테시투라 등 음악 표현의 다른 요소를 단순화해야 합니다. 연습 중 보컬 및 합창 기술 개발은 다음 방법론적 원칙을 기반으로 합니다.

다양한 운동 자체와 방법론적 기술을 통해 달성되는 운동 중에 어린이의 관심, 활동 및 정서적 톤을 유지합니다.

학생의 청력 발달(청각 조절 교육, 각 음성 기술 과제의 정확성을 평가하는 능력)

학생들의 음성 청력의 성공적인 발달과 억양의 순수성 발달에 기여하는 반주 없는 노래 연습; 조화로운 지원 사용(특히 훈련 시작 시)

음표에서 이러한 연습을 배우고 노래함으로써 달성되는 보컬 연습과 음악적 능력 사이의 연결;

기술에 대한 의식적인 숙달, 즉 운동 수행의 규칙과 방법에 대한 어린이의 이해;

성악 및 합창 연습 과정에서 집단 노래와 개별 학생의 개별 질문을 결합합니다.

합창단 참가자의 노래 발전 수준과 특정 노래 결함의 존재 여부에 따라 성악 및 합창 연습을 선택해야합니다.

합창 수업에서는 기술적인 작업과 음악적 표현력에 대한 작업이 결합되어야 하며, 그러면 아이들은 노래 기술뿐만 아니라 음악적 취향과 예술적 연주 능력도 발달하게 됩니다.

가장 중요한 것은 아이가 자연스럽고 아름답고 즐겁게 노래하며 보컬 개성을 드러내는 것입니다.

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MBU DO "어린이 음악 학교"

주제:

« 보컬 - 합창 연습

어린이 합창단에서"

MBU는 "DMSh"를 수행합니다.

벨로바 엘레나 이바노브나

MBU는 "DMSh"를 수행합니다.

스코프초바 이리나 아나톨리예브나

Kuvshinovo. 2014년.

목적 : 가창력의 발달과 형성

학생들의 창의적 자아실현의 수단.

작업:

1. 학생 개개인의 능력을 공개합니다.

2. 음악 예술의 소개를 통한 예술 활동의 발전.

3. 도덕적, 미학적 감정을 일깨우고, 음악에 대한 감정적 반응을 일깨웁니다.

4. 음악적, 예술적 취향의 교육.

5. 성악분야(호흡, 음향관리, 앙상블, 구조, 딕션 등)의 실무적 지식과 기술을 습득한다.

노래는 어린이에게 가장 접근하기 쉬운 음악 활동 유형입니다. 아이들이 노래를 부르기 시작하는 순간부터 초기, 아직 유치원에 있어요. 아이들은 노래하는 것을 좋아합니다. 그들은 특히 합창단에서 기꺼이 그리고 즐겁게 노래합니다.

어린이 합창단은 인간의 감정의 깊이를 진실하고 직접적으로 표현할 수 있는 연약하고 온화한 특별한 연주 악기입니다.

끊임없이 성장하고 변화하는 살아있는 유기체입니다.

어린이 합창단과 함께 일할 때의 주요 특징은 훈련(음악 능력 개발, 노래 기술, 발성 장치, 읽기 쓰기 능력), 음악 교육(예술에 대한 의식적인 태도, 음악에 대한 사랑, 노래, 시야 넓히기) 및 공연의 능숙한 조합입니다. 그 자체.

이러한 접근 방식을 통해 합창단은 각 어린이의 음악적 능력을 개발하고 극대화할 수 있습니다.

요즘에는 어린이 미술 학교, 합창 스튜디오, 중등 학교, 미학 교육 센터에서 어린이 합창 교육이 이루어지고 있습니다.

음악 교육은 일반 어린이와 영재 어린이 모두에게 제공됩니다. 그러므로 위의 입학허가를 받은 후 교육 기관우리는 노래 수업에 대한 아이들의 준비 수준이 서로 다르다는 점에 직면해 있습니다.

연습에 대문자 소리를 사용하면 비교적 짧은 시간 동안 정기적으로 연습하면 훌륭한 결과를 얻을 수 있습니다.

청력 발달에 대한 작업을 올바르게 지시하기 위해서는 교사가 노래를 할 수 없는 이유를 정확하게 파악하는 것이 매우 중요합니다. 그리고 이 매우 중요한 작업에는 각 합창단원에 대한 세심한 주의가 필요하며, 개인의 특성을 파악하고 때로는 그와 별도로 작업해야 합니다.

청각 지각 및 음성-청각 연결 개발을 목표로 하는 청각 발달 기술:

들은 내용에 대한 후속 분석을 목적으로 청각 집중 및 리더의 프레젠테이션 듣기

최고의 디자인을 선택하기 위해 다양한 디자인 옵션을 비교합니다.

노래하는 소리의 품질에 대한 이론적 개념을 유지합니다.

그림, 도표, 손 기호, 기보법을 사용하여 멜로디의 방향을 반영합니다.

노래하기 전에 키를 설정합니다.

조화를 이루기 위해 지휘자의 손으로 개별 음향에 대한 합창단의 음향을 지연시키는 것.

큰 소리로 재생되기 전의 첫 번째 소리에 대한 정신적 표현

좋은 음악적 능력을 가진 많은 어린이들은 다음과 같은 다른 노래 결함도 가지고 있습니다.

고정된 아래턱;

비음;

편모음;

불쌍한 딕셔너리;

짧고 시끄러운 호흡

그리고 이러한 단점은 연습을 통해 제거되며 앞으로 레퍼토리 작업 시 시간이 크게 절약됩니다.

일반적으로 연습은 수업 시간에 최소 8~10분 정도 소요됩니다. 수업의 이 부분에 대한 교사의 태도는 더욱 책임감이 있어야 합니다.

보컬 연습은 튜닝과 보컬 기술의 두 가지 주요 유형으로 나뉩니다. 올바른 선택은 다음 방법론적 원칙을 기반으로 합니다.

1. 다양한 운동 자체를 통해 운동 중에 어린이의 관심과 정서적 반응을 유지합니다.

2. 학생들의 음악적 청력 발달 (합창의 기초가 되는 순수한 억양 함양)

3. 반주 없이 노래 연습을 하면 청력 발달에 도움이 됩니다.

4. 성악 연습과 기보법 사이의 연결 (귀로 "목소리로" 레퍼토리를 작업하는 합창단은 결코 충분히 높은 수준의 연주에 도달하지 못합니다).

5.선생님의 개인 시연과 설명.

6. 기술에 대한 의식적인 숙달, 즉 운동 수행의 규칙과 방법에 대한 어린이의 이해.

7. 집단 노래와 개인 질문의 결합.

8. 학습 과제의 점진적이고 일관된 합병증.

다양한 음악 자료를 사용하여 보컬 및 합창 기술을 개발할 수 있습니다. 이것은 비유적인 내용(음계, 음계의 섹션, 트라이어드 등)과 노래(작고 단순한 노래 또는 성악 작품의 개별 프레이즈)가 없는 자료입니다. 민요와 고전 작품의 성가 형태로 특별한 연습을 선택하면 좋은 결과를 얻을 수 있습니다. 예술적이고 상상력이 풍부한 음악 자료를 통해 기술 개발이 이루어진다는 장점이 있습니다. 특별한 발성은 큰 이점이 있습니다.

종종 공부 중인 자료의 성가가 연습 형태로 사용됩니다(교사가 현재 작업 중인 작품의 어려운 부분).

그러나 성악 및 합창 작업을 시작하기 전에 호흡, 소리 제작 등에 대한 작업의 정확성을 결정하는 필요한 노래 태도를 자녀에게 확실히 심어주어야합니다.)

노래하는 자세는 자유로워야 합니다. 몸과 목은 곧게 펴고, 발 전체는 바닥에 있고, 어떤 경우에도 턱을 높이 올려서는 안 됩니다. 이로 인해 노래하는 스타일이 꽉 조이게 됩니다.

합창 훈련 교사로 일하는 동안 저는 아이들의 보컬 및 합창 기술 형성에 긍정적인 결과를 얻을 수 있는 연습 연습을 선택하고 사용했습니다.

일반적으로 한 레슨에 두세 가지 연습이 포함되어 있지만 신중하게 연습해야 합니다.

연습은 반음을 위아래로 반복하여 수행되지만 엄격하게 어린이의 목소리 범위 내에서 수행됩니다. 점진적인 중간톤 증가로 인해 범위가 확장됩니다.

보컬 및 합창 연습에는 다음과 같은 교육 작업이 포함됩니다.

튜닝 연습에는 수업 시작 시 보컬 장치를 "작동 상태"로 만들어 자연스럽고 편안한 사운드 생성을 촉진하는 연습이 포함됩니다.

가장 합리적인 기술은 공명 자음 "M"에 입을 다물고 노래하는 것입니다. 입은 닫혀 있고, 치아는 열려 있으며, 아래턱이 약간 낮아졌습니다(작은 하품 느낌).

이러한 노래는 머리 소리에 맞춰지지만 올바른 공명 감각이 발생할 때, 즉 가수가 비강 조직의 진동(진전)을 잘 느낄 때만 유익합니다. 이 진동은 민감한 신경 말단을 자극하여 반응을 일으키며 성대 근육의 음색과 성능이 크게 향상됩니다.(운동 1번, 운동 2번)

3도, 5도, 7도, 옥타브의 억양에 특별한 주의를 기울여야 합니다. (연습 4번 5번) 이 연습은 다양한 음절에 대해 단어, 레가토, 스타카토 스트로크를 사용하여 수행할 수 있습니다.)

2 좋은 조화를 기른다.

합창단의 좋은 조화가 순수한 다성 노래의 기초이기 때문에 이것은 심각하고 매우 어렵고 중요한 작업입니다.

음절 "lu"와 모음 "u"에 대해 하나의 소리를 부르면서 일제히 작업을 시작하는 것이 좋습니다. 그러면 피치를 명확하게 고정하는 좁은 소리가 형성됩니다. (성대와 호흡의 작용이 활성화됩니다.) 모음 "u"는 형성 중에 연구개와 작은 혀가 올바른 위치를 찾기 때문에 "하품에서"노래를 개발하는 데 도움이됩니다. 또한 이 모음을 연습문제에 활용함으로써 합창단에서 통일된 창법을 발전시킬 수 있습니다.(연습번호 6)

3. 선율의 발달과 소리의 용이함과 관련하여 노래 호흡 기술의 발달.

올바른 호흡을 연습하는 동안 각 어린이가 올바르게 호흡하는 방법을 얼마나 이해하고 있는지 모니터링하고 확인하고 이를 스스로에게 보여주어야 합니다.

어린 가수들은 어깨를 올리지 않은 채 코로 공기를 들어야 하고, 팔을 완전히 내리고 자유롭게 입으로 공기를 들어야 합니다.

매일의 훈련을 통해 아이의 신체는 적응합니다.

조용한 호흡 운동을 통해 이러한 기술을 통합해야 합니다.

작은 흡입 - 자발적인 호기

작은 흡입 - 6, 12의 자음 "f"또는 "v"에 대한 느린 호기

8을 셀 때까지 코로 짧게 숨을 들이쉬고 입으로 짧게 내쉬세요.

이러한 운동은 적절한 호흡 습관을 개발하고 발성 장치를 워밍업하는 데 매우 유용합니다.

많은 성악 교사들은 소리 없는 호흡 운동에 주의를 기울입니다. 왜냐하면 아이가 근육 감각으로 전환하여 노래하는 소리가 형성되는 데 잠시 방해가 되기 때문입니다.

결과적으로 작품을 학습하면 숨을 쉴 때 근육이 올바른 위치를 차지하게 됩니다.

이러한 운동을 할 때 작은 흡입으로 호흡이 빨리 소모되고 너무 깊게 흡입하면 고르지 않고 긴장된 호흡이 발생하여 소리의 아름다움에 해로운 영향을 미친다는 것을 알아야합니다.

체조 운동은 매우 유용하며 다음과 같은 신체적 움직임이 가능합니다. 정기 훈련체계적인 흡입과 호기로 어린이에게 올바른 호흡 리듬을 유도합니다.

시작 위치 - 곧은 몸, 발에서 다리를 약간 벌리고 발가락을 벌립니다. 엉덩이에 손을 얹으세요. 입술은 부드럽게 닫힙니다. "1"에서는 코를 통해 흡입하면서 발가락으로 올라가고, "2"와 "3"에서는 천천히 숨을 내쉬며 발 뒤꿈치로 천천히 내려갑니다. 이 운동은 큰 소리로 숫자를 세거나 음악에 맞춰서 할 수 있습니다.

전. 7번과 8번은 적당한 템포로 부드럽고 일관되며 쉽게 한 호흡으로 연주됩니다.

4. 모음의 올바른 형성.

아름답고 둥글며 고른 소리로 일관되게 노래하는 능력은 주로 모음의 올바른 형성에 달려 있습니다.

노래에서 모음 발음의 특이성은 균일한 형성 방식에 있습니다. 이는 합창단 소리의 균일한 음색을 보장하고 합창 부분에서 조화를 이루는 데 필요합니다.

모음 정렬은 보컬 위치를 한 모음에서 다른 모음으로 이동하여 이루어집니다.

성악 작업에서 가장 자주 사용되는 모음은 'A' 소리이며, 사람마다 다르게 발음하기 때문에 노래에서 가장 다양한 모음을 만들어냅니다.

이 소리를 부르면 아래턱이 내려가고 구강이 넓어지며 인두가 좁아집니다. 모음 "A"는 발성 장치를 가장 잘 해방시켜 긴장과 긴장을 풀어줍니다. 콧소리일 때 이 모음을 순음과 조합하여 사용하면 매우 유용하다.

모음 "I"는 집중적이고 날카로운 소리를 가지며 "높은 위치"를 찾는 데 도움을 주며 후두의 활동을 자극합니다.

"I" 작업은 둔하고 둔한 소리와 같은 단점을 제거하는 데 유용합니다. 동시에, 견고함과 불쾌하고 날카로운 성능이 없는지 확인하는 것이 필요합니다.

모음을 번갈아 사용하여 같은 높이에서 운동하는 것은 매우 유용합니다. 소리를 균일하게 만드는 데 도움이 됩니다. (연습 번호 9)

자음 발음의 명확성은 다음에 달려 있습니다. 활동적인 일혀의 근육, 입술 및 연구개.

이를 위해 딱딱하고 유성 자음이 우세한 텍스트에서 연습이 수행됩니다. 일반적으로 빠른 속도로 수행됩니다. 동시에 어린이들이 자음을 명확하고 적극적으로 발음하도록 하는 것이 필요합니다. (연습 10번, 연습 11번, 연습 12번)

노래하는 단어를 향상하려면 수업 중에 언어 기관의 조음 이동성을 향상시키는 혀 트위스터를 포함하는 것이 유용합니다.

이 기술을 향상하려면 점진적으로 소리를 배치하는 연습이 유용합니다.

그 중 가장 간단한 것은 자연 메이저 스케일의 여러 연속 각도를 조합하는 것입니다. 음계는 아래에서 위로, 위에서 아래로 노래합니다.(No., No.)

초기 단계에서는 느린 템포로 음계를 위에서 아래로 부르는 것이 유용합니다. 모든 하강 사운드가 동일한 높은 위치(특히 마지막, 가장 낮은 사운드)에서 동일한 지원 및 사운드를 갖도록 해야 합니다. 이 기술은 일반적으로 한 번의 호흡으로 수행되는 전체 음계에 걸쳐 소리의 균일성을 보장하지만 작업 초기에는 호흡으로 상부 및 하부 테트라코드를 분리하는 것이 가능합니다.

13번, 14번과 같은 노래 연습은 칸틸레나 발달, 음역 평탄화, 음역 확장 및 호흡 발달에 없어서는 안 될 도구입니다.

이 방향의 작업의 첫 번째 단계는 두 목소리를 마스터하는 것입니다.

아이들은 두 목소리를 인식하도록 어떻게 준비해야 합니까?

1. 우선 어린이들에게 한 목소리로 깨끗하고 조화롭게 노래하도록 가르치는 것이 필요하다. 순수한 합창만이 조화로운 소리를 만들어냅니다. 이것이 2성창뿐만 아니라 다성 합창도 이루어지는 2성창의 기반이 됩니다.

2. 어린이들에게 반주 없이 노래하는 법을 가르치십시오. 왜냐하면 그러한 노래는 어린이의 청력 발달에 가장 효과적인 수단이기 때문입니다.

3. 아이들의 듣고 듣는 능력(멜로디의 움직임, 음악 문구의 구조, 반복, 멜로디 및 리듬 패턴의 변화 등)을 개발합니다.

준비 작업이 끝나면 2성부 노래로 넘어갈 수 있습니다.

그리고 목소리가 독립적으로 움직이는 연습부터 시작하는 것이 좋습니다. (연습 15번, 연습 16번)

처음에는 2성부 프레젠테이션에서 친숙하고 구조가 단순한 노래를 사용하는 것이 유용하며, 그 노래를 마스터하면서 더 복잡한 작업으로 넘어갑니다.

초기 단계에서는 표준을 이행하는 것이 유용합니다.(연습 번호 18)

먼저 학급 전체가 주요 주제를 학습한 후 학생들을 그룹으로 나누어 여러 성부의 곡을 연주합니다.

더 복잡한 연습은 음성의 평행 이동을 사용하는 것입니다.

그러한 운동의 예는 다음과 같습니다. 17번(평행 3분할).

이 연습을 진행하는 동안 각 성부 내에서 유니슨을 주의 깊게 배우고 구축하며 합창단 지휘자의 손에 따라 느린 템포로 각 3분의 1을 추가로 작업하는 것이 필요합니다.

두 성부로 노래하는 탄탄하고 안정적인 실력을 갖춘 세 성부로 노래하는 것은 약간의 어려움만 있을 뿐입니다. (연습 번호 19)

높은 성부와 낮은 성부로 노래하는 것이 더 쉽고, 중간 성부로 부르면 더 어렵다는 것을 알아야 합니다. 합창단을 성부로 나눌 때 교사는 이러한 상황을 고려하여 중간 성부에서 가장 잘 듣는 학생을 식별해야 합니다.

연습과 수업의 다른 섹션을 작업하려면 교사의 신중하고 진지한 준비와 각 수업의 일반적인 작업 및 목표에 대한 사려 깊음이 필요합니다. 이 경우에만 작업이 효과적이며 아이들이 노래 예술의 기본 기본 사항을 빠르게 습득하는 데 도움이 될 것입니다.

또 다른 측면: 연습을 할 때 작은 조치를 취해야 합니다. 즉, 한 레슨에서 모든 것을 한 번에 달성하려고 하지 마십시오. 그렇지 않으면 가수가 불가능한 작업에 직면하게 되므로 그러한 조치는 실패할 것입니다.

시립 공공 기관

추가 교육

"어린이 음악 학교 No.1" Taishet

주제에 대한 방법론 보고서:

“어린이 합창단의 노래와 성악 연습”

준비자 : 선생님

고르부노바 라리사 블라디미로브나

성악 교육학 분야의 뛰어난 인물이자 미술사 박사인 V.A. Bagadurov 교수는 다음과 같이 썼습니다. . 물론 어린이의 목소리 작업의 일부 특징은 연령과 어린이의 정신, 어린이의 인식의 특성에 따라 결정되지만 이는 음성 교육의 원칙이 아니라 교육학적 교육 방법과 관련이 있습니다.”

보컬 교육의 기본 원칙은 전문적인 노래 훈련과 학교의 음악 교육 시스템 모두에서 동일합니다. 성인 가수와 어린이 모두를위한 것입니다. 아이의 목소리를 훈련시키는 구체적인 부분에만 차이가 있습니다. 심리적 특성특정 연령의 생리적 능력. 특히 돌연변이 기간 동안 아이들과 함께 작업할 때는 음성 저장 기술을 반드시 사용해야 합니다. 또한 아이들의 발성교육은 조금씩 다른 음악적 소재를 사용하여 진행됩니다.

노래의 가장 중요한 임무 중 하나는 작업을 위한 발성 장치를 준비하는 것뿐만 아니라 학생들의 기본적인 노래 기술을 개발하는 것입니다. 우리는 그중에 다음을 포함할 수 있습니다:

노래 설치;

노래하는 호흡과 건전한 지원;

높은 보컬 위치;

정확한 억양;

전체 보컬 범위에 걸친 사운드의 균일성;

다양한 유형의 건전한 과학의 사용;

사전: 조음 및 정형화 기술.

기술의 보편성의 예는 M. I. Glinka의 "동심원" 방법입니다. 러시아 성악학교의 기반이 되므로 어린이 노래교육의 기초가 될 수도 있다. M. I. Glinka가 공식화한 요구 사항은 어린이 및 성인, 제대로 훈련되지 않은 가수 및 전문 가수와 함께 작업하는 데 효과적입니다. 현대 연구의 데이터는 Glinka의 모든 기본 조항의 정확성을 확인합니다. 물론, 확인된 음성 발달 패턴에 따라 점차적으로 보완됩니다.

"동심원" 방법에는 M. I. Glinka가 매년 체계적으로 사용하기 위해 개발한 안정적인 운동이 포함되어 있습니다. 성악과 합창 작품에서 발견되는 요소를 다양한 버전으로 표현합니다. 이 방법의 본질은 다음과 같습니다.

약하고 잘 발달되지 않은 노래 목소리 (아픈 목소리도 포함)에 대해 기본적으로 작업할 수 있는 목소리의 볼륨, 범위 - 건강한 가수의 경우 몇 가지 톤 - 옥타브. 두 경우 모두 긴장이 없어야 합니다.

서두르지 않고 점진적으로 작업해야 합니다.

어떠한 경우에도 강제적인 소리가 허용되어서는 안 됩니다.

적당한 소리(크지도 조용하지도 않은)로 노래해야 합니다.

노래할 때 음질과 자유도에 가장 큰 관심을 기울여야 합니다.

사운드 강도의 균일성에 대해 작업하는 것은 매우 중요합니다(하나, 다른 사운드, 전체 프레이즈). 이 작업은 더욱 제한된 범위에서 수행하는 것이 좋습니다.

음질 측면에서 모든 소리를 균등화하는 것이 필요합니다.

나는 M.I의 모든 권장 사항을 절대적으로 주목하고 싶습니다. 글린카 답변 현대적인 요구 사항건강 절약. 결국 성악 교사의 주된 임무는 다양한 뉘앙스 속에서 음성을 사용하는 방법을 가르치고, 음색의 아름다움을 드러내고, 성대의 지구력을 키우는 것인 것 같습니다. 우리 학생들이 항상 전문 연주자가 되는 것은 아니지만 보컬 장치를 올바르게 사용하는 기술은 대규모 보컬 부하와 관련된 전문적인 활동뿐만 아니라 사람들과 의사 소통하는 데 도움이 될 것이며 연설을 국가적으로 다양하고 다양하게 만드는 데 도움이 될 것입니다. 교양 있는.

특별한 연습을 통한 보컬 기술의 체계적인 개발은 사용의 "자동화"라는 귀중한 기술로 이어집니다. 이 원리는 가장 간단한 작업을 반복적으로 수행하는 것으로 구성되며, 그 동안 자체 조절 시스템인 발성 장치가 자동으로 최적을 찾는 동시에 해당 근육 시스템을 훈련합니다. 차별화된 연령대의 능숙한 활용, 편리한 테시투라에 따른 레퍼토리 선택, 강요된 소리의 배제를 통해 자연스러운 소리, 발성 기관의 조화로운 발달, 학생 개개인의 음색 식별이 보장됩니다.

노래 부하가 학생들의 건강에 미치는 영향을 아는 것은 매우 중요합니다. 어린이 음성 발달의 연령 관련 특징(특히 돌연변이 기간 동안)에 대한 교사의 지식은 음성 기술의 올바른 형성에 기여하지만 이를 준수하지 않으면 음성 장치의 장애 및 심지어 질병으로 이어집니다. 노래는 신체의 모든 중요한 시스템이 관련된 복잡한 정신 물리학 과정입니다. 노래하는 기관 외에도 심혈관 및 신경내분비계도 노래 부하에 반응하여 맥박, 혈압 및 체온을 변화시켜 노래에 반응합니다. 올바른 노래 부하를 사용하면 이러한 변화는 미미하며 신체에 위험하지 않습니다. 또한, 선생님의 끊임없는 지도 하에 체계적인 노래 레슨을 받으면 힐링 효과를 얻을 수 있으며, 특히 호흡과 혈액 순환이 개선되고, 두개내압, 로고 신경증의 결과가 완화됩니다. 또한 이비인후과 전문의의 연구에 따르면 편도선염 치료, 비인두 카타르 악화 및 상부 호흡기관 악화는 유럽 학술 혼합 방식으로 노래하는 어린이에게서 촉진됩니다. 또한, 기관지경련을 완화하기 위한 지지대에 호흡을 노래하는 기술을 익히는 것의 중요성도 배제할 수 없으며, 이는 기관지경련으로 고통받는 어린이의 치료에 중요합니다. 기관지 천식.

따라서 우리는 밝은 보컬 능력을 가진 사람, 5도 이내의 올바른 억양을 할 수 있는 사람, 오페라 무대를 꿈꾸는 사람, 엔지니어를 꿈꾸는 사람 등 절대적으로 모든 사람에게 일정 수준의 보컬 기술 개발이 필요하다는 결론을 내릴 수 있습니다. . 올바른 노래 개발은 개인의 자질 형성뿐만 아니라보다 조화로운 노래에도 기여합니다. 신체 발달어린이. 지금까지 말한 모든 내용을 바탕으로 우리는 음성 보호의 주요 형태가 적절한 노래 교육이라는 결론에 도달했습니다.

작업에 필요한 보컬 장치를 준비하고 기본 노래 기술을 개발하기 위해 매 레슨에서 사용하는 보컬 연습으로 넘어 갑시다. 가장 중요한 특징 중 하나는 운동 수행 시 "자동화" 기술을 형성하는 것이므로 모든 운동은 항상 어린이의 기본 영역을 기준으로 특정 범위에서 특정 순서로 노래됩니다. 시간이 지나면 아카펠라를 부르면서도 아이들 스스로 익숙한 음표로 노래를 부르기 시작하는데, 이는 물론 청각 감각이 잘 형성되어 있음을 나타냅니다.

7~9세 아이들과 작업할 때 러시아 민요를 널리 활용하는데, 이는 아이들의 관심을 불러일으키고 민족 멜로디에 대한 사랑을 심어주는 데 도움이 됩니다. 또한, 그들은 일반적으로 음악적 아이디어가 간결하며 어린 아이들이 억양의 복잡성에 집중하지 않도록 돕는 점진적인 구조를 가지고 있는 경우가 많습니다.

1. 우리의 첫 번째 챈트는 티저곡이다. 활성 조음과 지원 호흡이 형성되어 해당 음표에서 억양이 미끄러지는 것을 방지합니다.

2. 장 2도의 넓은 억양과 토닉의 확고하고 자신감 있는 노래를 익히는 데 도움이 되는 연습입니다. 크고 중간의 종소리와 아주 작은 종소리의 소리에 평행선을 그릴 수 있습니다. 두 번째 옥타브로 이동할 때 아이들은 손으로 작은 종을 흔드는 동작을 흉내냅니다. 이 작은 근육의 움직임이 인대에 전달되어 목소리의 소리가 더 가벼워지고 더 정확한 억양이 됩니다.

3. 우리 아이들이 가장 좋아하는 운동 중 하나입니다. 공연하기 전에 손바닥에 작은 토끼가 앉아 있다고 상상해 보라고 요청합니다. (각 사람이 어떤 종류의 토끼를 가지고 있는지 물어 보는 것은 흥미로울 수 있습니다. 회색 눈에는 녹색 눈이 있고 빨간색 눈에는 파란색 눈이 있습니다!) . 음절 "po"에 대한 4분음표를 연주하면서 어떻게 치는지를 보여주고, 이어지는 8분음표에서는 손을 가볍게 움직여 토끼가 도망가는 모습을 묘사합니다. 매우 쉽습니다. 게임을 통해 아이들은 레가토와 스타카토 스트로크에 익숙해집니다.

4. 다음 연습은 주요 테트라코드의 발음 기술과 노래 기술을 개발하는 데 매우 유용합니다. 최고음 연주에 무기력함이 있으면 아이들에게 사다리를 오르락내리락하는 동작을 손으로 흉내내라고 하지만, 꼭대기 계단 위로 "기어가는" 것이 아니라 위에서 밟아달라고 부탁합니다. 일반적으로 이러한 제안은 미소와 웃음을 유발하고 결과적으로 작업이 올바르게 실행됩니다.

5. 다음 연습문제는 5개의 소리로 구성되어 있습니다. 따라서 각 연습마다 하나의 소리를 추가합니다. 처음으로 아이들의 관심을 끌면 아이들은 대개 이 패턴을 기쁘게 받아들입니다. 그리고 나중에 그들은 특정 운동에 얼마나 많은 소리가 있는지 알려주고 싶어합니다.

6. 올바른 억양과 스트로크 실행의 명확성을 결합한 연습으로 표준 노래를 완성합니다.

이 성가 세트는 모든 레슨에 필수입니다. 연습은 항상 이 순서를 따르고 주어진 키로 시작된다는 점을 반복합니다. 그러나 다른 기술을 개발하거나 노래 과정을 다양화하려면 다음 연습을 사용할 수 있습니다.

10. 이 운동의 명백한 이점, 멜로디, 아이들의 사랑에도 불구하고 최근 몇 년 동안 그룹 작업에서 사용할 수 있는 횟수가 점점 줄어들었다는 사실에 주목하고 싶습니다. 안타깝게도 점점 더 많은 아이들이 엄마 없이 키우고 있기 때문에 배우기 전에 학생들의 가족이 모두 괜찮은지 알아봐야 합니다. 일반적으로 이 연습은 마지막 두 소절에서 "엄마"라는 단어를 부르며 수행됩니다. 하지만 실제로는 사용하지 않습니다. 원칙적으로 어린 나이에 노래를 부르며 점진적인 하향 움직임이 폭발로 이어지기 때문입니다.

10세가 되면 아이들은 다른 운동을 시작합니다. 멜로디 전환의 연속성을 추적할 수 있지만 보컬 연주를 위해 주로 고전적인 음절로 노래됩니다. 이는 어린이의 눈에 이 수업 단계의 중요성과 의미를 높여 아이가 자신의 "성인"을 느끼는 데 도움이 됩니다.

1. 위로 올라갈 때는 각 음을 강조하면서 적극적으로 노래하고, 내려갈 때는 레가토 스트로크를 사용하여 연습합니다.

2. 높은 소리 위치 형성, 모음의 둥글기, 세 번째 성조의 날카로운 억양, 호흡 지원-단 세 개의 음표에 불과하지만 모든 세부 사항에주의를 기울이면이 연습의 노래가 얼마나 풍부해질 수 있습니까? 당연히 훈련의 초기 단계에서는 특정 사항에 중점을 두지만 점차적으로 다른 작업을 추가합니다.

3. 이전 연습의 변형.

4. 각 음과 모음의 분리되고 정확한 소리가 나며, 고음역으로 올라갈 때 '봄의 숲'이라는 가사로 노래하는 것이 좋습니다. 또는 "진공청소기"라는 단어를 부르도록 제안할 수 있습니다(예외적으로 노래 과정의 루틴을 극복하기 위해). 이는 모음 "s"를 형성하는 데 유용하며 아이들을 웃고 즐겁게 만듭니다. , 하지만 그게 대체적으로 목적이 아닌가요? 우리는 그들에게 노래하는 법을 가르칩니다!

5. 의식적인 표현, 지원 호흡의 숙달.

6. 이 연습에서는 첫 번째 마디에서는 스타카토를, 두 번째 마디에서는 레가토를 번갈아 가며 연주해야 합니다.

7. 이전 연습의 더 복잡한 버전입니다.

8. 스타카토 스트로크, 소리의 높은 위치, 정확한 억양, 모음 형성, 음역 확장.

9. 이전 운동보다 더 복잡한 버전으로, 전체 범위에 걸쳐 더 넓은 호흡과 소리의 균일성이 필요합니다.

10. 공명기를 사용하여 후두의 압박감을 극복하고 전체 범위에 걸쳐 소리의 균일성을 유지하며 음역을 부드럽게 합니다.

이 성가는 일련의 필수 연습을 종료합니다. 다음 운동은 학습 능력이 높은 어린이에게 사용됩니다.

11. 5번과 6번 마디의 챈트에서는 두 번째 소리의 실행에 집중해야 합니다. 나는 보통 그들에게 속도를 조금 늦추고 넘어지지 않고 초가 얼마나 넓고 자유로운지 느껴보라고 요청합니다.

12. 목소리의 가벼움과 이동성을 발달시키는 데 도움이 되는 운동입니다.

13. 탑노트와 스타카토를 강조합니다.

14. 높은 소리 위치, 관절 활동.

15. 빠른 속도로 수행되는 복잡한 어법 연습을 마스터하기 위해 공간의 음절을 시각적으로 배열하고 템포를 점진적으로 증가시켜 손으로 표시합니다. 그래픽적으로 보면 다음과 같습니다.

라-리 > 르-li< 르-리.

결론적으로, 그러한 연습만이 어린이에게 유용할 것이며 그 적절성은 교사에게 분명하다는 점에 유의해야 합니다. 많은 발성 연습이 있지만 작업을 위해서는 학생들의 요구에 가장 잘 맞는 연습만 선택해야 합니다. 교사 자신이 좋아하는 운동이 성공하지 못하거나 그것이 어떤 기술을 개발하는지 이해하지 못한다면 아무리 좋아하더라도 아예 포기하는 것이 좋습니다. 개인 연습의 예를 들어 보겠습니다. 많은 동료들이 다음과 같은 발성 연습을 사용합니다.

특히 빠른 템포로 연주했을 때, 후두 부분에 "기울기"가 있고 상단 음표가 평평하다는 느낌이 들었습니다. 하지만 인접한 두 음표로 노래를 부르자마자, 훌륭한 운동, 이는 딕션 기술을 개발할 뿐만 아니라 많은 노력 없이도 미각을 들어 올리고 탑 노트를 높은 위치에 배치할 수 있게 해줍니다.

사용된 문헌 목록

1. Osenneva M.S., Samarin V.A., Ukolova L.I. 어린이 성악단과 협력하는 방법. M.: 학계, 1999.

2. 벨리자닌 D.N. 합창단 장의 메모. 튜멘: 벡터 북, 2002.

3. 스투로바 G.P. 어린이 합창단과 협력하는 이론과 실제. M.: 블라도스, 2002.

4. 샤미나 L.V. 아마추어 합창단과 함께 일함. – M.: 무지카, 1985.

보컬 연습과 챈트

포크송 그룹과 함께 일하기

민요그룹 리더들을 위한

로스토프나도누

소개 ...........................................................

1. 구호와 운동 .............................................. 5

2. 보컬 레슨 중 노래하기 .........................................… 6

3. 보컬 연습 .......................................................................... 22

4. 그룹별 보컬 연습 선택……………. 22

5. 민요단 활동의 특징............ 24

6. 민속단체를 위한 성악 및 합창 연습

노래하기……………..…..……………………….……………29

결론.......................................................................................................... 45

사용된 문헌 목록……………..………..……… 46

소개

민요 예술에는 복잡한 이론적 개념, 기술 및 능력이 포함됩니다. 집단원들의 민요를 가르치고, 발성 능력을 개발하고, 노래 부를 때의 어려움을 극복할 수 있도록 가르치기 위해서는 체계적인 성악 교육이 필요하며, 노래에 관련된 근육의 점진적인 발달과 통합을 목표로 한다. 이러한 기술은 특별 준비 준비 과정을 통해 훈련되어야 합니다.

각 수업마다 전통적인 필수 준비 준비 과정에는 다음이 포함됩니다.

1. 호흡 기관의 발달을 촉진하고, 발성 활동에 필요한 호흡을 형성하고, 횡경막을 강화하고, 다양한 호흡을 구성하는 호흡 운동(짧음, 길다, 사슬);

2. 모음과 자음의 정확한 발음은 물론 민요, 방언 및 방언의 전통적인 소리를 목표로 하는 특별 말하기 및 발성 연습 과정

3. 발성 기관의 운동주기. 이러한 연습은 목소리의 범위를 확장하고, 호흡을 강화하며, 노래하는 목소리, 보컬 및 화성 청력, 다성 노래 기술을 개발하고, 소리 생성, 발화를 개선하고 억양의 순수성을 개발합니다.

노래 훈련 자료에는 다음이 포함됩니다. 꾸준한 운동, 운동의 목적과 목적에 대한 설명, 이 에피소드를 노래할 목적으로 노래의 별도 부분을 노래합니다.

목소리의 발달과 포크 스타일로 노래하는 기술에 따라 각 참가자에게 교육 및 훈련 연습 세트가 선택됩니다. 노래를 부를 때에는 교육학적 방법을 엄격하게 준수해야 합니다. 점진적인 부하: 노래 실력은 단순한 것부터 복잡한 것까지 점진적으로 주입되어야 합니다.

수업 과정 호흡 운동, 말하기, 말하기 연습은 다양한 교육 및 교육 자료에서 찾을 수 있습니다. 학술, 팝, 포크 등 모든 유형의 노래 훈련에 적합합니다.

이 방법론 매뉴얼은 성악, 연습 및 사용 권장 사항을 포함하는 민요 그룹을 위한 성악 훈련 자료를 제공합니다.

노래 부르며 운동하기

보컬 레슨은 보컬 연습 없이는 생각할 수 없습니다. 보컬을 공부하고 공부하고 있는 분들은 이 말에 동의하실 겁니다. 보컬 스킬의 개발은 특정 연주자(보컬리스트)가 특정 횟수만큼 수행하는 특정 보컬 연습 세트입니다. 운동 세트와 수행 횟수는 사람마다 완전히 다를 수 있습니다. 그러나 어쨌든 보컬 연습은 보컬리스트의 주요 도구입니다.

그러한 운동만을 보컬이라고 부르며, 연주 중에 발성이 발생합니다. 즉 보컬리스트가 노래합니다. 목소리를 발달시키는 데 사용되는 모든 운동이 발성적인 것은 아닙니다. 호흡, 발음, 발화 등이 있습니다. 운동이란 어떤 활동을 수행하는 방식을 개선하기 위해 활동을 반복하는 것을 의미합니다. 운동은 기술을 습득하는 주요 수단입니다. 복잡한 활동에서 자동으로 발생하는 작업입니다. 마찬가지로 성악 연습에서도 연습은 전문적인 노래에 필요한 기본 기술을 개발하는 역할을 합니다. 멜로디에 따라 다양한 조건에서 올바른 사운드 생성과 사운드 엔지니어링 기술 모두 먼저 연습을 통해 마스터되고 통합됩니다. 실제로 레가토 가창, 칸틸레나, 유창함, 도약, 스타카토 가창, 패시지 및 다양한 장식의 원리를 연습을 통해 익히고 보컬과 예술 작품에서 향상시키고 다듬습니다.

음악 프레이즈의 짧은 부분을 기반으로 하는 연습은 일반적으로 사운드 스케일의 위아래로 반음으로 조옮김됩니다. 동일한 노래, 동일한 음악적 움직임의 반복은 구현에 있어 강력한 기술을 확립하게 됩니다. 동일한 동작의 순서가 강화되어 고정관념이 형성됩니다. 앞으로는 작품 속에서 비슷한 인물을 만나면 가수는 아무 생각 없이 자동으로 정확하게 연기하게 된다. 그러나 반복되는 소리 조합을 노래하는 것은 특정 목적을 위해 수행되고 교사 또는 학생이 각 시도의 결과를 목표에 더 가깝게 가져 오는 측면에서 평가할 때만 운동이라고 할 수 있습니다. 명확한 목표와 비판적 평가 없이 단순히 노래를 부르는 연습은 단지 노래를 부르고 발성 기관을 워밍업하는 것일 뿐입니다.

발성 장치를 노래하는 것(워밍업)은 복잡한 노래 작업을 수행할 수 있도록 준비하는 목적을 제공하지만 기능 성능 향상으로 이어지지는 않습니다. 반대로, 무분별하고 형식적인 연습 노래는 부정적인 기술의 출현과 강화로 이어질 수 있습니다.

연습에서 기능을 개선하려면 명확하게 정의된 목표와 구현에 대한 지속적인 모니터링이 필요하며, 이를 통해서만 필요한 새로운 조정이 형성될 수 있습니다. "일반적인" 연습은 없지만 특정 특정 음성 특성을 개발하기 위한 연습은 있습니다.

보컬 레슨 중 노래 부르기

민요 그룹과 협력할 때 중요한 연결 고리는 노래입니다. 많은 근육 그룹이 소리 형성에 관여하기 때문에 모든 보컬 레슨은 노래로 시작해야 합니다. 노래를 부르면 성대가 따뜻해져서 작업을 준비할 수 있습니다. 가수의 워밍업은 운동선수의 워밍업과 비슷하다. 운동선수와 마찬가지로 성악가도 근육을 풀어서 추가적인 직업적 스트레스에 대비해야 합니다. 노래를 부르지 않으면 청력과 목소리가 좋아도 처음부터 일부 음을 치지 못할 수도 있습니다. 구호를 부르지 않고 성악연습이나 노래를 부르다가 목이 조이는 경우가 있어 목을 비우는 등의 작업이 필요합니다.

보컬 레슨의 첫 번째 구호는 준비 운동입니다. 보컬리스트는 보컬 장치의 손상을 방지하기 위해 범위의 "중간"에서 워밍업을 해야 합니다. 지지 강화, 발성 호흡 연장, 모니터링을 위한 구호 연습이 필요합니다. 올바른 형성소리, 혀, 입술, 턱, 후두 및 공진기가 따뜻해집니다.

보컬 성가의 두 번째 부분(이미 워밍업된 보컬 장치에서)은 범위를 확장하고 좋은 딕셔너리를 개발하는 것을 목표로 합니다. 운동은 "스트레칭"입니다. 중요한 것은 음질의 변화 없이 사운드에서 사운드로의 가능한 가장 부드러운 전환과 동시에 딕셔너리의 완화 및 과장된 명료도입니다.

보컬 레슨의 세 번째 부분은 도약, 육포 보컬, 장식 등 다양한 기술을 익히는 것을 목표로 합니다. 이러한 노래는 고급 수준의 보컬 훈련에서 제공됩니다 (초기 수준에서는 모든 연습이 칸틸레나, 즉 부드러운 음성 안내에서 수행됩니다).

노래와 동작을 결합한 모션 노래는 보컬 레슨에서 매우 중요한 부분으로, 목소리와 발성 장치를 자유롭게 하고 노래에 도움이 되는 협응을 확립하는 것을 목표로 합니다.

노래는 보컬 레슨의 대부분을 차지합니다. 초기 및 중급 교육 수준 – 30-40분. 그러나 앞으로는 발성기구가 강화되고 기본적인 발성기법이 숙달됨에 따라 구창시간이 15분으로 단축된다. 보컬 레슨 중 나머지 시간은 레퍼토리 작업에 전념합니다.

찬송도 그 중 하나다. 가장 중요한 부분노래 실력을 개발하기 위해 노력합니다. 노래의 문제(운동 구성 및 운동 선택)는 매우 심각합니다. 일부 사람들은 노래를 레퍼토리를 연주하기 전에 성대의 워밍업으로만 보기 때문입니다. 사실, 성악은 성악의 기술적 기초를 익히는 데 있어 어려운 길입니다. 이 작업은 보컬 그룹 참가자의 연령, 교육적 과제 및 음악적 발전 수준에 따라 선택되는 특별 연습을 기반으로 합니다.

구호는 수업을 여는 좁은 음역의 발성 연습이다. 노래는 가수에게 편안한 중간 음역에서 시작됩니다. 한 번 부른 후에는 음역의 최고치에 도달할 때까지 음조를 반음 높이는 식으로 성가를 반복합니다. 그런 다음 같은 방식으로 반음씩 내려가면서 성부의 낮은 음표를 다룰 수 있습니다.

노래는 전체 그룹, 그룹(여성, 남성), 파티에서 동시에 수행할 수 있습니다. 팀 전체가 함께 진행하는 노래 부르기는 수업 시작을 조직하는 데 도움이 됩니다. 하지만 탄탄한 보컬 실력을 갖추기 위해서는 그룹이나 그룹으로 노래하는 것이 좋습니다. 노래하는 과정에서 연주자들은 발성 장치를 준비할 뿐만 아니라 노래 실력도 향상됩니다. 결과적으로 노래에는 세 가지 주요 목표가 있습니다. 보컬 장치를 워밍업하고, 심리적 태도보컬 및 합창 작업과 노래 기술 및 기술 향상을 위해.

각 보컬 파트의 중간 부분에서 노래를 시작하는 것이 좋습니다. 특히 노래를 시작할 때 연습의 구조를 고려하는 것이 중요합니다.

노래를 위해 준비된 연습은 보컬 장치를 워밍업하고 작업을 준비할 뿐만 아니라 포크 보컬 및 합창 연주에 특정 기술을 주입하고 기존 단점을 근절해야 합니다. 각 구호에는 특정한 목적이 있어야 하며, 전체 연습 세트는 단순한 것부터 복잡한 것, 좁은 규모에서 더 넓은 것까지 원칙에 따라 구성되어야 합니다. 길지 않고 기억하기 쉬운 성가를 선택하는 것이 좋습니다. 이는 연구 중인 작품의 동기일 수도 있고 연주자에게 익숙하지 않은 노래일 수도 있습니다. 수업마다 변경하는 것은 의미가 없습니다.

보컬 연습의 일반적인 이름은 노래입니다. 그런 일이 일어 났지만 완전히 정확하지는 않습니다. 성가는 경고하고, 발성 기관을 따뜻하게 하고, 호흡계를 조정하는 역할을 합니다.

이는 여러 가지 보컬 연습(예: 공연 전)을 수행하여 달성되지만 이러한 연습은 연주자에게 잘 알려져 있고 친숙하며 보컬 기술의 발전에 대해 말하는 것이 아닙니다. 특정 보컬리스트나 밴드에 대해 가장 친숙하고 효과적인 연습이 사용됩니다.

모든 보컬리스트는 마음대로 사용할 수 있는 몇 가지 좋아하는 성가를 가지고 있으며 이를 지속적으로 사용합니다. 따라서 '창'과 '발성훈련'의 개념은 비슷하면서도 완전히 동일하지는 않다.

보컬 테크닉을 익히다 보면 처음에는 복잡하고 어려웠으며 보컬리스트가 수행하는 데 약간의 노력이 필요한 연습이 점차 익숙하고 편안한 연습으로 변합니다. 이것이 운동이 구호로 바뀌고 동일한 운동이 훈련 카테고리(마스터링 기간 동안)에서 워밍업 카테고리로 이동하는 방식입니다.

다음은 민요 그룹을 위한 다양한 성가와 사용 권장 사항이 포함된 교육 자료입니다. 성가는 반음 위아래로 이동하면서 연주됩니다.

1. “참새 안드레이”

주요 소리에 대한 연습: "화나게" 노래하기, 압력을 가하면서, 지원하기, 명확하게, 큰 소리로, 가까이 다가가서 소리를 앞으로 보냅니다.

2. “체보투카”(연습 1에 대한 설명 참조)

3. "계곡"(연습 1에 대한 설명 참조)

4. “우물을 파다”

음절 끝에서 다음 음절로 자음을 이동하면서 템포로 노래합니다.

5. “여우가 걷는 방법”

6. “가겠습니다, 가겠습니다, 젊어요”

속도가 빠르더라도 서두르지 마십시오. 마지막에 "fall"을 부르며 부르동을 추가할 수도 있습니다.

7. “아, 부엉이야”

세 번째 소리를 깔끔하게 음을 내며 소리를 앞으로 보내고 서두르지 말고 템포에 맞춰 노래합니다. 부르동을 추가할 수 있습니다.

8. “고양이를 잡았어요”

9. “나에겐 소금에 절인 양배추가 있어요”

화를 내며 압력을 가해 노래하세요.

10. "파산"

" 그리고 "접근했다" 이자형 " 3차 사운드를 깔끔하게 음조합니다.

11. "풀은 녹색이다"

소리를 "밀어내지" 않고 네 번째 노래를 부릅니다.

12. “강 위의 토끼”

13. "백조"

14. “백조가 헤엄쳤다”(13번 설명 참조)

15. “울야누쉬카”(13번 설명 참조)

16. "나이팅게일"

가까이서 노래하고, 모아서, 밀지 않고, 소리를 앞으로 보냅니다. 가벼운 소리를 따라가세요. 보컬 이동성을 개발합니다.

옵션 1옵션 2

17. “하얀 백조가 날아갔다”

" ㅏ " 이전 원칙에 따라 형성되었습니다 " 이자형 " 같은 방식으로 노래하세요: 가깝고, 높고, “화나”. 이 운동은 음성의 범위와 이동성을 발달시킵니다.

18. “회색 백조”

같은 방식으로 노래하세요: 가깝고, 높으며, "화났어요". 이 운동은 목소리의 위쪽 범위를 발달시키고, 훈련 유지를 돕고, 호흡 지속 시간을 발달시킵니다. 한숨에 부르는 것이 좋습니다. 처음에는 충분하지 않으면 숨을 쉴 수 있습니다.

19. “매가 깨끗한지”

20. “쑥이 아니다”

이 연습은 전환음 문제를 해결합니다.

반쯤은 아니지만, 당신, 내 사랑...

합창단을 위한 노래

보컬 연습

보컬리스트, 특히 노래를 배우기 시작하는 사람들이 다루어야 하는 가장 간단한 유형의 음악 예술은 연습입니다. 그러나 운동은 음성 발달의 첫 번째 단계에만 국한되지 않습니다. 운동은 가수의 창의적인 삶 전체에 걸쳐 동반됩니다. 모든 가수는 매일 운동을 위해 최소한의 시간을 투자해야 합니다. 같은 노래를 반복적으로 반복해야만 긍정적인 결과가 나타나기 때문에 보컬 연습은 안정적이어야 합니다. 길고 체계적인 훈련을 통해 강력한 기술이 개발됩니다.

구호 연습은 이해하기 쉽고, 배우기 쉽고, 간결하고, 매우 명확하고 집중적이어야 합니다.

매우 느리거나 빠른 속도로 노래를 시작하는 것은 바람직하지 않습니다. 빠른 템포와 느린 템포의 연습은 가수가 이미 자신의 목소리를 작동 가능한 상태로 만들고 노래 기술을 향상시킬 수 있는 후에만 필요합니다. 창법을 연습할 때에는 올바른 호흡, 소리 내기, 높은 자세 유지, 좋은 발성, 큰 소리로 '강제' 노래를 피하는 것에 주의를 기울여야 합니다.

그룹을 위한 보컬 연습 선택

보컬 그룹의 리더는 특정 교육학적 문제의 특정 구성 및 해결을 위해 특정 연습을 선택할 수 있어야 합니다. 연습의 선택과 노래의 강도는 다음 사항에 따라 결정됩니다: 노래가 합창단 공연 전에 이루어지는지 아니면 다음 리허설의 일부인지. 콘서트 공연에 앞서 노래를 부르면 여러 작품, 한 섹션 또는 전체 콘서트 등 공연의 볼륨이 매우 중요합니다. 공연이 짧을수록 노래의 의미는 더욱 커져야 합니다. 부족한 보컬 가창은 연주의 질에 부정적인 영향을 미칩니다. 두 개 또는 한 개의 큰 부서에서 합창단 연주회 전에 길고 강렬한 노래를 부르면 안 됩니다. 왜냐하면 노래하는 동안 노래량이 너무 많으면 성악가들이 지치게 되고 콘서트 중에 노래 형식을 잃을 수 있기 때문입니다.

보컬 그룹과의 작업을 적절하게 구성하려면 리더의 노래 방법론 숙달과 노래 연습이 필요합니다. 성악 교사가 고안한 성악 연습을 모두 셀 수는 없습니다. 너무 많습니다. 그의 연습에서 모든 보컬 교사는 제한된 세트를 사용합니다. 수세기에 걸쳐 발명된 모든 것을 사용하려고 노력할 필요가 없기 때문입니다. 그러나 대부분의 잘 알려져 있고 대중적인(효과적이고 효과적이기 때문에) 보컬 기술은 주로 소수의 동일한 연습을 사용합니다.

대부분의 보컬 연습은 시퀀스로 구성됩니다. 보컬 연습의 경우 시퀀스는 일반적으로 반음 정도 다릅니다.

목소리 현상은 우선 인체의 다양한 근육의 작용이며 근육의 발달에는 근육에 가해지는 부하가 점진적으로 증가해야합니다. 안에 이 경우우리는 근육에 의한 적절한 탄력성을 획득하고 신경계를 훈련시키는 것에 대해 이야기하고 있습니다. 근육은 엄격하게 투여된 양으로 신경계의 반응에 "반응"해야 합니다. 그렇지 않으면 목소리가 거짓이고 음색, 과로 및 피로가 다양해집니다. .

유럽 음악에서 반음은 가장 작은 음악 간격입니다. 스몰세컨드(Small Second)라고 합니다. 당연히 1초는 보컬리스트의 부하 증가의 최소 부분입니다.

보컬 연습의 시퀀스 자체는 상당히 큰 테시투라(옥타브, 심지어 1.5배)에 위치한 사운드로 구성될 수 있습니다. 시퀀스는 조각으로 찢을 수 없는 특정 멜로디의 작은 "조각"이라는 점에 유의해야 합니다.

보컬리스트가 특정 멜로디를 연주하기 어렵다면 아직 사용하기 이르다는 의미입니다. 이 운동자신의 목소리를 개발하기 위한 도구로 사용됩니다.

따라서 새로운 연습을 시작할 때 하나의 시퀀스(노래의 멜로디처럼)를 아주 잘 배워야 합니다. 더 빨리 결과를 얻고 싶어하는 보컬리스트는 멜로디를 잘 기억하지 못한 채 사용 가능한 전체 범위에서 보컬 연습을 노래하려고 시도하는 경우가 많습니다. 이런 종류의 작업은 유용하지 않습니다.

모든 성악곡(연습도 성악곡임)은 느린 속도로 배워야 합니다. 멜로디의 모든 뉘앙스, 특정 모음 세트 및 한 모음에서 다른 모음으로의 전환 지점을 기억할 필요가 있습니다.

대부분의 보컬 기술을 가르치는 방법에는 소수의 보컬 연습이 포함되지만 충분합니다. 이는 모든 발성 훈련이 멀티태스킹이라는 사실 때문입니다. 운동을 수행하면서 보컬리스트는 한 번에 여러 기술을 개발하고 훈련합니다. 따라서 동일한 운동을 다른 시간에 수행할 때 특히 주의할 점은 다음과 같습니다. 다른 측면즉, 다른 작업에 동일한 도구를 사용하는 것입니다.

활동적인 레크리에이션을 위한 스포츠 및 신체 운동 시스템 선택

2장. 언어의 인지 기능 최적화. 언어 장애가 있는 환자에게는 다양한 정신 장애가 있는 환자에 따라 달라지는 일련의 특수 언어 연습이 포함됩니다.